Des milliers d’heures penchées au-dessus de la feuille, des centaines d’illustrations réalisées et sans même m’en rendre compte, j’ai construit une cage autour de moi. 

Une cage liée au dessin. 

Le truc c’est qu’il y a dans le dessin quelque chose d’absolument fascinant: au bout de ton crayon le pouvoir de représenter ce que tu imagines au plus profond de ton âme. 

Et la seule limite, c’est ton imagination. 

Et moi je trouve ça incroyable tu vois. 

Mais le dessin c’est comme tout dans la vie, il y a toujours un prix.

Et parfois ce prix, il est plus élevé que ce que tu es prêt à payer. 

Il m’a fallu 16 ans pour m’en rendre compte, pour comprendre que le dessin, et bien, ce n’était pas fait pour moi. 

Et peut-être que ce n’est pas fait pour toi non plus.

Tu peux retrouver cet article en format vidéo si tu le souhaites ici : https://www.youtube.com/watch?v=hMqznLa46sA&t=1s

Je n’étais pas censé faire de dessin

Ce qui est drôle avec le dessin, c’est que je n’étais même pas censé en faire. 

À l’école, j’avais 7/20 en art plastique systématiquement.

Autant pour te dire que l’art plastique pour moi c’était une punition avec de la gouache, plus qu’un court fun.

Il y a un jour où tout a changé. 

Il y a eu un déclic, un déclic qui va changer toute ma vie. 

Qui nous amène aujourd’hui dans cet article. 

Voilà, je m’ennuyais royalement en cours d’histoire.
Et à l’époque je lisais pas mal de mangas, Naruto et Bleach pour les plus anciens.
Pour lutter contre l’ennui et le sommeil, je me suis mis à dessiner.

Le premier dessin, ça a été une petite épée turquoise au style à plume, sur le bord de ma feuille perforée. 

Et là, bam, révélation. 

Je me rends compte que tu peux te donner vie à tout ce qui traîne dans ta tête, avec un simple crayon.

Vérité n°1 – Tu ne choisis pas toujours ta passion

Et ça tu vois, ça nous amène sur la première vérité: 

Tu ne choisis pas toujours ta passion. 

Êtes capable de représenter ce que tu imagines, c’est un super pouvoir, on ne va pas se mentir. Mais ce pouvoir là, parfois, c’est lui qui te choisit.

Comme une rencontre amoureuse, ça tombe dessus, ça te prend un peu par surprise et ça te transforme. 

Si jamais une passion t’attrape un jour, même sans prévenir, que tu n’avais pas prévu ça, alors embrasse-la avec force.
C’est rare et ça peut complètement changer ta vie. 

J’en suis un bon l’exemple.

Vérité n°2 – La lune de miel n’est pas éternelle

Les deux premières années, c’était assez magique.

Et quand je dis magique, c’est pas juste sympa à faire. C’est du genre, tu passes des heures sur ta feuille, tu lèves la tête, tu dis “merde, il fait déjà nuit”.
Oups.

Il n’y a pas de pression, il n’y a pas d’objectif, pas de… “Il faut que je m’améliore, sinon, il se passera x ou y”.
J’était juste un gamin qui a trouvé un nouveau terrain de jeu et qui n’a absolument aucune limite dans ce terrain de jeu.

Et ça nous amène sur la vérité numéro 2. 

La phase de la lune de miel, c’est la meilleure. 

Mais elle ne dure pas éternellement. 

Personne ne te le dit jamais. 

Donc savoure la tant qu’elle-là. Parce qu’à un moment, elle s’arrête cette lune de miel. Et quand elle s’arrête, ça change tout.

Quand ton niveau monte, les attentes montent avec. 

Et pas seulement les tiennent, il y a celle des autres aussi. 

Au début, ça commence avec un “Wouah, c’est super ce que tu fais”.
Puis rapidement, ça devient “tu pourrais pas me dessiner ça ou ça?”.
“Ça fait longtemps que tu n’as pas posté sur Instagram un nouveau dessin. C’est dommage quand même que tu dessines si bien.”

Et toi, tu écoutes, ça flattent un peu ton égo et ça te donne aussi l’impression d’avancer. 

Sauf qu’en arrière-plan, ça change la façon dont tu dessines. 

Tu passes moins de temps à t’amuser et plus de temps à prouver que tu sais faire.

Vérité n°3 – Quand le plaisir dépend des applaudissements

Et pour te prouver que tu sais faire, y a qu’un moyen. 

C’est de t’entraîner comme un malade parce qu’il faut atteindre les attentes.
Et crois moi, le dessin, c’est impitoyable avec ça.

Disons que tu n’aies pas appris à dessiner correctement les mains, par exemple.
Ça reviendra te mordre le cul un de ces et tu vas ramer.

Sauf que ce l’on oublie vite c’est que le dessin, c’est quand même quelque chose d’assez complexe.

Tu dois comprendre la couleur, la perspective, la mise en place, l’anatomie et le design des logos. Même faire du storyboarding et en bonus, en plus, apprendre à te servir des réseaux, si tu veux être sur les réseaux.

Bref, tu passes du mode; je découvre un nouveau jouet. Au mode, j’ai signé un contrat et je dois assurer.

Vérité 3: si ton plaisir dépend plus des applaudissements que du dessin lui-même, tu viens de changer de métier sans t’en rendre compte.

 Ton art doit d’abord nourrir ta curiosité, ton plaisir personnel. Le retour des autres, c’est un bonus. 

Ça ne devrait pas être le moteur.

Effondrement et silence créatif

Le dessin, il s’est arrêté dans ma vie aussi brusquement qu’il y est rentré. 

Les jours passent, tu lèves les yeux et tu réalises que t’as pas touché à ton art depuis des semaines sans vraiment savoir pourquoi.

Ça faisait 7 ans que je dessinais à peu près. 

C’était un moment compliqué de ma vie. 

J’avais perdu des amis à ce moment-là, et j’étais à la fac.
Je passais mes journées dans mon 18 mètres carrés du CROUS.
Bien sûr, pas au top mentalement et le dessin au lieu de m’aider m’a en fait encore plus plombé.

Je dessinais un manga nommé “Can You Kill Me Again?” dont je m’étais forcé à finir, j’ai poussé pour terminer chaque pas.
J’en avais vraiment marre du dessin, extrêmement marre. 

Une fois bouclé le dixième et dernier chapitre, plus.
C’était le grand silence néant, le vide.
Plus aucune envie de dessiner du tout.

Vérité n°4 – Arrêter, c’est parfois avancer

C’est très bizarre comme sensation, ce qui te passionnait hier, ça devient aujourd’hui une corvée. T’as plus envie.

Ma quatrième vérité, c’est que arrêter, c’est parfois la seule façon d’avancer. Parfois, il faut poser le crayon pour réaliser que tu n’étais pas en train de créer, que tu étais en train de t’épuiser.

La pause créative, ce n’est pas un échec, c’est un recalibrage. Elle te permet de revenir plus fort ou d’aller ailleurs.

Vérité n°5 – Ta créativité n’est pas liée à un seul médium

Le truc avec la créativité, c’est une drogue dure.
C’est une drogue très dure.
Quand tu as plus ta dose, tu vas chercher ton fix ailleurs.

Arrêter un art, ça ne veut pas dire que ta créativité disparaît. Elle se transforme, elle change de corps, elle change de forme.

Moi, elle est revenue sous la forme de l’écriture. 

C’est mon premier amour.
Ça a commencé par des poèmes.
Puis je me suis dit:  “et si je les transformais en chansons?”

Ta créativité, elle n’est pas liée à un seul art.
Si tu changes de médium, tu ne perds pas ton identité créative.

Vérité n°6 – Une compétence ne disparaît jamais

Vérité numéro 6: une compétence, ça ne disparaît pas.
Elle change juste de forme.

Même si tu t’arrêtes, ton savoir-faire reste en toi. 

Prêt à resservir si il y a besoin, et se cache dans tes réflexes, dans ton œil, dans ta façon de penser un projet de manière générale.

Ce que t’as appris ne disparaît pas.
Ça devient un outil silencieux, un peu en fond, que tu renforces avec tout ce que tu touches.

En y repensant, c’était peut-être le passage naturel de la jeunesse imaginative à la praticité un peu froide de l’adulte.

Du dessin au tatouage : le second souffle

Et comme je m’enfonçais, en plus, à ce moment-là, dans le métal et le punk rock, c’est une autre obsession qui s’est invitée, le tatouage.

Forcément, ça me fascinait, c’est un parfait milieu entre la musique et le dessin.

D’autant plus, à ce moment-là, j’étais retourné à l’école, en école pour faire un BTS en commerce international.

C’était chiant.

Et du coup, le tatouage est un peu devenu une échappatoire pour l’école.

Et petit à petit, je me suis laissé happer, tu vois, le tatouage en général d’abord, et puis, l’Irezumi, qui est le tatouage traditionnel japonais.

J’ai commencé à refaire des longues sessions de dessin, parce que c’est un type de tatouage qui demande beaucoup de détails.
Et du coup, beaucoup de détails, c’est beaucoup de temps passé sur la feuille.

La passion est revenue. 

C’était un second souffle.

L’entrée dans une nouvelle cage

Mais dans cet ouragan, il y avait un truc qui clochait quand même.

Il y avait toujours un petit poids ici, là et là, tu vois. 

Une voix qui grattait un peu au fond du cerveau, et c’était… Tu t’enfermes encore.
À nouveau.

Mais c’est aussi à ce moment-là que j’ai commencé ma chaîne YouTube sous l’impulsion insistante de ma tata.

J’ai commencé à publier mes premières vidéos de dessin.

Et puis, là, classique schéma YouTube, plus de vidéos, plus de vues, plus de gens qui te suivent, plus de ventes.

Le problème, c’est que… Plus tu avances dans les étapes de YouTube, plus tu as une cage qui se referme sur toi.

Vérité n°7 – Plus tu deviens expert, plus il est difficile de t’échapper

La vérité numéro 7, c’est que plus tu deviens expert dans un domaine, plus il est difficile de t’en échapper.

Il n’y a pas que les autres qui te mettent une étiquette. Tu finis aussi toi-même par t’y accrocher.

Parce que c’est confortable, parce qu’il y a une description de ce que tu fais qui est facile à donner aux gens que tu rencontres.

Mais la vérité, c’est que tu n’es pas obligé de rester dans la case que l’on t’a donnée.

Cette idée est une idée simple, sauf qu’elle est très dure à appliquer dans la réalité, ça demande un vrai travail de fond

Vérité n°8 – La compétence n’efface pas la solitude

La vérité numéro 8, c’est que la compétence n’efface pas la solitude.

Tu peux être dans le meilleur dans ce que tu fais, ça ne changera pas l’état de ta tête.

Que ce soit un silence intersidéral ou les ouragans de Saturne, tu peux exceller dans ton art et quand même ressentir un vide.

C’est cette raison qui m’a d’ailleurs amené à comprendre très tôt que je ne pourrais pas être illustrateur.

Je ne pourrais pas faire ça à plein temps, parce que passer mes journées seul, coupé du monde, enfermé dans ma bulle avec un casque vissé sur la tête, c’est impossible.

Je suis trop extraverti pour ça.

Quand l’art devient un poids

Le dessin, ça commençait à me peser.

C’est pas juste fatiguant, mais lourd comme un poids qu’on met sur les épaules.

Chaque illustration, ça devient une douleur en fond.

Toutes les idées, toutes les émotions que je garde en moi, au lieu de s’évacuer elle se collait à moi comme des aimants.

C’était l’inverse d’un état méditatif.

Vérité n°9 – Quand ton art devient pesant, c’est un signal

La neuvième vérité, c’est quand ton art commence à être pesant, c’est un signal.

Si ce qui te sert de refuge devient une source de tension, c’est que ton rapport à la passion n’est plus le même.

C’est une invitation à réévaluer et non pas à s’autoflageller.

YouTube et la cage algorithmique

Sauf qu’en plus du dessin, moi j’ai Youtube.

Et Youtube adore te mettre dans une case.

Le problème: c’est que quand tu rentres dans une case dessin, et que tu veux tester d’autres formats, l’algorithme te flingue toutes tes autres vidéos.

Du coup, tu continues, même si tu n’as plus envie…

Vérité n°10 – Plus tu es doué, plus ta cage est solide

La vérité numéro 10, c’est que plus t’es doué, plus ta cage est solide.

Ta réussite, ton image, ton argent, tout en dépend.

Tout ça devient un rôle à protéger.

Et pourtant le premier réflexe qu’on pourrait avoir c’est de se dire : mec,rien ne t’oblige à y rester. Change de niche, change de sujet, tu seras plus heureux.

Mais lorsque tu as passé des années à créer quelque chose, tu y réfléchis à deux fois avant de tout brûler.

Le miroir : perdre sa passion, perdre son identité

J’ai entendu une phrase assez récemment.

C’était dans la série “The Bear” – “L’ours” en Français. C’est une série qui parle de Carmin, qui reprends le restaurant de son frère à sa mort. 

C’est un banger cette série, je te la conseille fortement.

Dans la série, le chef Carmin dit à un moment:  « j’ai perdu ma passion et l’envie et j’y arrive plus et en plus je ne sais même pas qui je suis en dehors d’une cuisine. »

Et là, j’ai compris.

J’ai pris une baffe monumentale.

Je m’étais définit comme un dessinateur, que je n’étais plus. 

Mais qui étais-je?

J’ai pris une baffe monumentale, parce qu’en fait, je m’identifiais énormément à Karmie, je comprenais vraiment sa détresse. 

Et j’ai compris que c’était ça ma cage. 

Et le pire, c’est que la clé, c’est moi, qui l’ai jeté très loin, très très loin. 

Parce qu’en fait, ton image devient un rôle à protéger.

Une fois dans ce rôle fait, tu as l’impression que tu n’as plus le droit de changer, parce que c’est devenu toi. Sauf qu’être fort en quelque chose, ça t’oblige pas à y rester. 

En fait, la clé de la cage, tu l’as tout le temps, faut juste avoir un peu de courage. Moi, ce qui m’a vraiment bloqué, c’est qu’à un moment, la dissonance cognitive est devenue trop importante.

 Avoir une chaîne de dessins et être vu comme un passionné alors que je touchais un crayon uniquement pour filmer mes vidéos depuis 4 ans, ça n’avait pas vraiment de sens. 

Et du coup, quand je suis parti voyager en Sac à dos, en Asie du Sud-Est et en Corée, que vous avez pu suivre sur la chaîne.

Vérité n°11 – La procrastination artistique est souvent de la peur

Pendant ce voyage, j’ai cru que le feu était revenu. 

Ce n’était pas tout à fait ça, en fait.

J’avais quelque chose que j’avais perdu depuis longtemps: du temps. 

Donc du temps pour dessiner, mais aussi du temps pour créer et surtout pour réfléchir. 

À qui j’étais, à qui j’ai été et à ce que je voulais devenir. 

Et c’est là que j’ai retrouvé les clés de ma cage. 

Mais sans mentir, il m’a fallu plusieurs mois pour l’utiliser.
Je suis parti presque 3 mois, et je n’ai pas écris l’article que tu es en train de lire. 

En réalité, ça faisait 2 ans que je repoussais cet article. 

Pas paarce que je ne savais pas quoi dire, mais parce que je savais exactement quoi dire et en tout honnêteté, ça fait un peu peur. 

Quand tu veux faire un virage comme ça,il y a beaucoup de choses qui entrent en jeu.

 il y a la peur de décevoir, il y a la peur de perdre.

Il y a aussi la peur de confirmer que cette passion était vraiment morte. 

La onzième vérité, c’est que la procrastination artistique, c’est souvent de la peur en costume. On ne repousse pas un projet parce qu’on est trop occupé.
On le repousse parce qu’on a peur de ce qui dit sur nous.

Demande-toi toujours: qu’est-ce que je redoute de voir dans ce que je vais produire ?
C’est là que se cache souvent la vraie raison. 

Moi, sur cet article, j’ai écrit 5 à 6 scripts différents.
Il n’y en avait aucun qui sonnait juste. 

Je m’acharnais encore et encore. 

Alors que ce que j’avais besoin, c’était juste de dire: j’’arrête de chercher le bon angle, et puis je crée cet article, même imparfait. 

Parce qu’après tout, cet article pourrait aider beaucoup de gens qui vont commencer, ou qui ont commencé, mais qui se disent « j’ai mis tellement d’efforts,dans le dessin, que je ne peux pas lâcher maintenant.”

Quitte à souffrir en silence.

Vérité n°12 – Quitter une passion, c’est faire un deuil

La douzième vérité, c’est que quitter une passion, c’est faire un deuil.

Perdre un art, c’est pas juste ranger ses outils, c’est enterrer une partie de ton identité. 

Tu dois accepter que cette version de toi n’existera plus tout.

Comme dans tout deuil, il y a de la tristesse, mais il y a aussi la possibilité d’un nouveau départ. 

Et c’est ça qui est très important.

Le dessin, je l’aimais de tout mon cœur, de tout mon être, mais si t’as plus le cœur à l’ouvrage, c’est qu’il est temps de poser l’outil, puis de continuer le chemin seul. 

Aujourd’hui, je veux voir ce qu’il y a hors de la feuille. 

Je ne veux plus que le dessin soit une fin, mais un outil dans ma boîte créative, parce que la créativité, ce n’est pas qu’un seul ruisseau. 

C’est une fontaine nourrie par des dizaines et des dizaines de sources qui viennent de partout.

Vérité n°13 – Quitter une passion, ce n’est pas arrêter de créer

Et peut-être que finalement, en rétrospective, je me dis:  “Et si le dessin n’était que l’introduction à la créativité.” 

La vérité numéro Treize, c’est que quitter une passion, c’est pas renoncer à créer. 

C’est se donner la chance de créer autrement.

Abandonner un art, ça ne signifie pas arrêter de créer. 

C’est juste de changer de terrain de jeu. 

Ce n’est pas une trahison envers ton passé. 

C’est une extension de l’avenir. 

Et quand tu te libères d’une passion qui ne vous nourrit plus, tu fais de la place pour d’autres formes de création. 

Et c’est là que la vraie liberté créative commence. 

On se retrouve dans le prochain article! 

Tchuss,
Miennu. 

L’article J’arrête le dessin : 13 vérités que personne ne t’avoue est apparu en premier sur Miennu.

Ohuhu m’a contacté

Ohuhu m’ont contacté et m’ont demandé de tester leur nouvelle série de feutres, les Honolulu Plus.

Ils sont très proches des classiques dans la forme, c’est-à-dire qu’ils ont une pointe pinceau et une pointe biseau. 

Sauf que leur pointe pinceau, elle est un petit peu différente. 

Ils appellent ça la pointe Supreme brush.
Cette pointe, elle est plus épaisse, elle est plus flexible comparée à la pointe classique. Et ça peut paraître presque un peu anecdotique quand je te le dis comme ça, mais en réalité, ça change toute la façon de dessiner, tout le ressenti que t’as en dessin. 

Et il faut qu’on en parle dans cet article!

Alors avant d’aller plus loin dans cette vidéo, je t’invite à aller voir le test que j’ai fait des Ohuhu classiques.
Vraiment, ceux de base, ceux qui sont les plus connus, je te mets le lien juste en dessous: 

Pour lire l’article: https://miennu.com/test-feutres-alcool-ohuhu-brush/ 

Pour regarder la vidéo: https://youtu.be/0yv0uRxyC6I 

Parce que dans cet article, là, je vais parler des Ohuhu Supreme, les Honolulu Plus, qui vont être comparés aux feutres classiques, mais je ne vais pas rentrer en détail des caractéristiques des feutres classiques.
Donc voilà, va voir la vidéo, lire l’article rapidement avant et reviens ici juste après.

Le packaging

Présentation générale et première impression

Alors ces feutres côté packaging, ils arrivent dans une petite pochette en cuir qui est très agréable. C’est un simili-cuir beige avec dessus un flocage vert. Et je trouve ça pas mal comme approche.

C’est mieux que les pochettes en toile noire des classiques, qu’on voit partout, sur toutes les marques.
Et qui fait un peu pas de gamme, un peu chinois, bien que Ohuhu soit chinois.

Là, ça donne un côté premium, ça donne un côté un peu plus classe. 

Et du coup quand je prends ma main, tu te dis “ah ouais, ouais, ok, on est au-dessus”.

Contenu des packs reçus

Pour ce test, j’ai reçu de la part de Ohuhu, 

Merci Ohuhu!

Deux packs de feutres, un de 24, un de 32. 

Je trouve que c’est surprenant de la part de Ohuhu de faire des choix de packs qui sont, on va dire, aussi “petits”.
Parce qu’on sait tous qu’en feutre à alcool plus tu as de feutre à alcool, plus c’est pratique pour le dessin.
Tu peux t’en sortir sans, mais si tu as 70, 120, 200 couleurs, c’est toujours plus pratique.

Donc là, on va voir ce que ça va donner, mais je pense que ça va poser problème, notamment au niveau des choix des couleurs dans les dégradés. 

Mais je m’avance un peu, on en parlera plus bas dans l’article ;).

Design général et accessoires inclus

Côté design, il n’y a pas de changement, on reste sur les feutres Ohuhu classiques, en termes de packaging, qui est un excellent packaging, donc moi je suis très content qu’ils l’aient gardé. Je ne voyais pas de raisons de le changer, puisque le packaging est déjà excellent.

Pour des questions de facilités, je vais les appeler Ohuhu Supreme, c’est plus simple pour moi que Ohuhu Honolulu plus Series.

Ensuite dans la pochette, tu vas retrouver bien évidemment une feuille de protection plastique pour éviter de tâcher tes feuilles en dessous, ton bureau ou la table sur laquelle tu dessines.

Et tu vas retrouver une feuille de swatch pour pouvoir mettre toutes les couleurs que t’as, pour pouvoir avoir rendu visuel des couleurs, pour voir comment elles réagissent sur le papier réel.

Capuchons, pointes et lisibilité des couleurs

Après, en termes de packaging pure, on se rend compte que les pointes des Supreme sont plus épaisses que les classiques. Bon, comme je te le disais en intro, pas surprenant. C’est les Supreme après tout.

Par contre gros gros points fort pour Ohuhu, j’ai trouvé qu’ils avaient fait une amélioration des calibrations de la couleur sur les capuchons qui sont beaucoup plus représentatives que t’as sur les classiques.

Sur les classiques des fois tu es sur deux mondes différents. 

Là j’ai trouvé que c’était moins marqué, et vraiment amélioré.
Ça c’est un bon point, parce que au quotidien quand tu choisis tes couleurs soit tu utilises les swatchs, soit t’as tes capuchons et c’est quand même plus pratique directement avec les bouchons.

Occasion manquée sur la pochette

Par contre j’ai un gros point noir sur le packaging, ou je dirais plutôt; pas un point noir en soi, mais je dirais que c’est une occasion un peu manqué.

Ce que je trouve dommage c’est qu’ils auraient pu utiliser le couvercle de la pochette comme un stand pour pouvoir poser tes feutres, et que tes feutres soient posés directement face à toi.
Histoire que tu puisses juste servir, comme si tu avais une boîte de rangement.

Sauf que bah là ça tient pas bien, la couture est trop épaisse pour le côté premium, du coup tu peux pas le mettre en dessous pour le faire tenir.

Ou alors avec beaucoup d’efforts…

C’est dommage, c’est pas un point négatif en soi, mais c’est juste une occasion ratée je trouve.

Test théorique

Sensation en main et qualité de la pointe

Alors maintenant on va passer un peu plus au côté du test théorique. 

Alors la première chose qu’on remarque qu’on prend en main ces feutres Ohuhu suprême, c’est qu’ils ont une sensation de dingue en main, c’est un truc de dingo!

Elle me rappelle un peu la sensation des pointes qu’on a sur les Promarkers brush, qui font partie d’ailleurs de mes pointes, en termes de sensation, préférées de tous les temps.

Ce qui est excellent avec ces pointes, c’est qu’elles ont un très très bon contrôle sur le débit d’encre, là où avec les Ohuhu classiques des fois ça va submerger la feuille
Avec vraiment beaucoup d’encre qui va arriver d’un coup. 

Là c’est pas le cas, c’est vraiment très très bien contrôlé, ça veut dire que les pointes sont haut de gamme.

Tests de dégradés similaires

En passant au test du dégradé de couleurs similaires, on se rend compte que les couleurs se mélangent bien, comme les ohuhu classiques en réalité, encore un très bon point.

Tests de dégradés de couleurs opposées

Et d’ailleurs elles se mélangent aussi très bien sur le dégradé de couleurs opposées.

 on va prendre du bleu et du rouge, qui sont des couleurs qui sont dures à mélanger ensemble. 

Et clairement, elles se mélangent très très facilement, le bon débit d’encre aide, le fait que la pointe soit poreuse, ça aide aussi pour pouvoir bien mélanger tout ça.

Je dirais que le résultat même est meilleur que sur les Ohuhu classiques! 

Bon clairement les pointes poreuses, le fait que le débit d’encre soit bien adapté, et puis surtout la pointe de pinceau de très bonne facture donne vraiment cette sensation de pinceau. 

Comme si tu étalais la couleur sur le papier, et je pense que c’est réellement ce qu’il se passe. Tout ça aide à avoir un excellent mélange.

Tu veux apprendre à te servir parfaitement de tes feutres à alcool?

Si tu es sur cet article, y’a de grandes chances que tu sois intéressé par les feutres à alcool, ou que tu en es déjà. 

Et ça tombe bien, parce que j’ai créé une formation dédiée spécialement au sujet. 

Pour t’apprendre à utiliser tes feutres à alcool correctement, comme un pro et passer au niveau supérieur. 

Au programme de la formation : 

• Apprendre à faire des dégradés parfaits,
• Apprendre à construire différents types de dessin pour faire du style manga, du style tatouage, 
• On verra aussi comment choisir des couleurs qui vont parfaitement ensemble,
• Je te montrerai aussi comment rattraper tes erreurs lors de l’application de la couleur,
• Et tu apprendras aussi à donner différentes ambiances visuelles à tes dessins,

Si tu veux aller plus loin dans ta maîtrise des feutres à alcool, je te mets le lien juste ici: https://miennu.com/formations-2/

Et nous on retourne à notre test.

Et en pratique, ça donne quoi?

Premières sensations à l’utilisation (bouchons et ergonomie)

Alors dès le début de l’utilisation de ces feutres, la première chose que je retrouve directement et que j’adore chez Ohuhu, c’est l’ouverture des bouchons qui est absolument facile. 

Alors oui, oui je sais, on me dit que je suis dans les détails, mais quand tu ouvres 150 fois par dessin tes feutres, c’est un peu frustrant quand ils sont durs à ouvrir ou durs à fermer.

Et dans la même trampe, un petit détail de packaging, c’est qu’il y a une bague de couleur sur le côté de la pointe pinceau.
Comme ça tu sais toujours quel côté utiliser, sans te poser vraiment la question, c’est assez instinctif, tu réfléchis pas.
Tu sais que tu as la pointe pinceau du côté de la bague de couleur. 

C’est très frustrant quand on n’a pas ce petit détail, comme chez les feutres à alcool de chez Arrtx par exemple.
Qui sont d’excellents feutres, mais le côté de la bague de couleur, c’est très frustrant au quotidien. 

J’en parle plus en détails dans cet article :
https://miennu.com/les-feutres-action-sont-ils-nuls-jai-compare-avec-les-arrtx/

Gestion des couleurs et comportement au séchage

Alors le départ du dessin a été un petit peu compliqué, je me suis un peu foiré dans les couleurs.
Pour la simple et bonne raison que, par habitude avec les Ohuhu Classiques, la couleur a tendance à s’éclaircir au séchage.
Donc je me suis dit que ça allait s’éclaircir au séchage. 

Ce qui n’a pas du tout, mais pas du tout été le cas.

Pas d’éclaircissement au séchage, donc j’ai dû un peu rattraper comme j’ai pu.

C’est pour moi un point positif puisque la couleur que tu vois, c’est la couleur que tu vas avoir sur les Ohuhu Supreme, et ça c’est bien. 

Tu n’as pas à te projeter mentalement sur la couleur, réfléchir à ce que ça pourrait donner. 

Mais sur le coup j’étais en mode: “oh non, il faut que je recommence le dessin!”

Mais au final, non pas du tout, on l’a rattrapé.

Méthode de colorisation et débit d’encre

L’autre grosse différence en termes de couleur  à l’utilisation, c’est la façon dont tu vas coloriser, avec ces feutres.
Puisque ces feutres ont un meilleur contrôle du débit, et bien tu ne vas pas pouvoir faire comme les Ohuhu Classique en arrivant à faire des grands traits droits qui vont imbiber tout l’espace et toute la feuille.

Là, il faudra que tu dessines en faisant des petits cercles très concentrés, pour avoir l’encre qui va aller un peu partout dans la feuille, puisque le débit d’encre est très contrôlé.

Sensation de dessin

Et ça je dirais que c’est la grosse différence notable, parce qu’en fait à l’utilisation, ce que ça va donner comme sensation, c’est une sensation très chill, très détendue en réalité.

Tu ne ressens pas la nervosité qui est propre au médium des feutres à alcool, tu n’es pas dans le speed, tu n’es pas dans le stress, tu n’es pas nerveux.

Franchement, ça détend!

Tu es là, tu fais tes petits cercles tranquillement. 

Des petits cercles, des petits cercles, des petits…

En fait, j’ai plus l’impression de faire de la peinture, de l’aquarelle que d’utiliser des feutres à alcool.

Alors ça  ne va pas plaire à tout le monde, mais pour ceux qui ont plus envie de se détendre, c’est vraiment bien, ça te pose.

Au départ j’étais pas super emballé, pour au final trouver ça assez rafraîchissant et assez détendant.

Durabilité des pointes

Alors par contre, les pointes sont assez poreuses comme je le disais avant, et je ne sais pas trop ce que ça donnera sur le long terme à l’utilisation, à voir. 

Après l’avantage chez Ohuhu, c’est qu’une fois tes pointes abîmées tu peux les commander à l’unité et changer la pointe avec celle de rechange.
En sachant que sur la pointe de base présente sur le feutre, tu peux la retourner.
Tu la sors, tu la retournes et tu as une deuxième pointe de l’autre côté que tu peux réutiliser.

Donc déjà avant que tu grilles deux pointes, il va falloir y aller un petit peu quand même.

Les meilleurs feutres de la gamme?

Au final à l’utilisation, je trouve que ces feutres sont vraiment, vraiment d’excellent feutres.

Ils reprennent la base des classiques et l’améliore d’une façon assez significative en termes d’expérience d’utilisation, en termes de sensation de dessin.

Par contre si ces feutres t’intéressent, avant de les acheter, il faut bien que tu regardes les choix des couleurs. 

Je trouve qu’il y a beaucoup de couleurs qui sont choisies de façon aléatoire.

Bon clairement, il y a de grandes chances que je ne sois pas la cible des types de couleurs qui ont été choisies.

Il y a deux, trois couleurs qui sont un peu redondantes à mon goût entre les deux packs.
Alors peut-être parce que c’était deux fois la même couleur dans le pack de 24 et le pack de 32.

Mais par exemple, les couleurs R312 et R410, elles sont vraiment très très proches en termes de couleurs, et du coup si ce n’est pas des couleurs que toi tu utilises au quotidien, tu ne vas pas pouvoir avoir beaucoup de flexibilité au niveau de l’utilisation de ton pack.

Après, si c’est juste pour faire du coloriage d’un cahier de coloriage, dans l’absolu, c’est pas très grave.
Ça ne gênera pas. 

Après si tu veux faire de l’illustration à un peu plus haut niveau et avec des couleurs plus personnalisées, là ça pourrait potentiellement te poser plus problème.

Au final, conclusion

Ce sont des feutres que je recommande très très très fortement !

La sensation est absolument dingue, c’est vraiment très très détendu comme prise en main, très proche de la peinture.
Par contre, il faut que tu sois sûr que la sélection de couleurs te corresponde.

Donc voilà, si ça t’intéresse de te les procurer, de les acheter, je te mets le lien là juste en dessous.
Je te mets également le lien vers le site officiel de Ohuhu, si tu veux un peu plus de détails techniques sur les feutres.

OHUHU HONOLULU x 24 : https://amzn.to/49ilSRi
OHUHU HONOLULU x 36 : https://amzn.to/3Z4dGxN 

10% DE RÉDUCTION SUR LE SITE OFFICIEL DE OHUHU AVEC LE CODE : MIENNU

SITE OFFICIEL :
https://global.ohuhu.com/products/ohuhu-honolulu-plus-series-supreme-rubber-brush-tip-markers?utm_source=youtube&utm_medium=Miennu&utm_campaign=NCYHonoluluPlusSeries 

Et avant de conclure cet article, je te rappelle rapidement que si tu veux apprendre à maîtriser tes feutres de l’alcool parfaitement, j’ai fait une formation sur le sujet, 

C’est par ici: https://miennu.com/formations-2/

Et si tu veux en savoir plus sur les feutres à l’alcool, j’ai fait une série de quatre vidéos sur le sujet dans une playlist.

Je te mets la playlist juste ici pour apprendre les bases des feutres à l’alcool.

Et nous on se retrouve dans le prochain article, 

Tchuss!

L’article Je teste les feutres OHUHU avec la MEILLEURE pointe! : Les Honolulu Plus Series! est apparu en premier sur Miennu.

Sauf que je suis récemment tombé sur des feutres très attractifs en termes de prix. 

Les feutres à alcool de chez Aarrtx. 

Ils sont forcément plus cher que les feutres Twinmarkers de chez Action, ça y’a pas de débat. 

Les feutres Arrtx n’en restent pas moins accessibles pour des budgets serrés.

On va donc les comparer dans cet article pour voir si le prix un peu plus élevé de ces feutres, comparé à ceux de chez Action, est justifié dans le rendu final en dessin?

Et surtout dans l’expérience d’utilisation de ces feutres?

Allez, c’est parti!

Si tu le souhaites tu peux retrouver ce test de comparaison en vidéo sur ma chaîne Youtube: https://youtu.be/hpGPofBhpE8 

Au premier touché: le packaging

On va d’abord s’intéresser au packaging des chacuns de ces feutres. 

Les Twinmarkers de chez Action en premier!

Le packaging des feutres Action

Côté packaging des feutres à alcool de chez Action, on est très minimaliste, voir même simpliste dans le packaging. 

Un carton tout simple, pas d’emballage ou quoi. 

Juste des feutres triés un peu sur la volé. 

On ne va pas se mentir, le choix des couleurs me laisse toujours perplexe chez Action.

On dirait qu’ils sont allés voir le fournisseur en disant : “Hey donnez moi vos couleurs les plus populaires” en ne regardant pas les suites logiques de couleurs à l’utilisation. 

Le feutre en lui même à une texture un peu mat qui le rends agréable au toucher le tout avec une présentation en forme de triangle. 

On notera tout de même qu’il y a un socle inclus pour tenir les feutres à alcool, ce qui est très cool. 

Le packaging des feutres Arrtx

Pour le packaging des feutres à alcool de chez Arrtx, il y a un socle pour tenir les feutres à alcool, mais avec une approche très différente de la concurrence. 

Ils ont décidé de transformer la boîte en rangement pour les feutres. 

Ce qui est très très smart! 

On sent que la qualité et les finitions ne sont pas les mêmes que chez Action. 

La boite est légèrement texturée ce qui la rend super agréable au toucher. Avec une petite hanse si tu as besoin de les transporter.

Mais qui fait ça dans la réalité hein, je n’ai jamais vu personne le faire? A part les artistes pro dans des vidéos youtube sombre x)

En terme de choix de couleurs, je trouve que Arrtx gère bien la gradation de sa gamme, même si pour la vidéo j’ai que le pack de couleur de peaux. 

Le seul point qui me tique un peu c’est que les feutres sont en forme de triangle, dont je ne suis pas fan car je trouve que ça tient moins bien en main qu’une forme ronde ou carré.

Qu’est-ce qu’ils ont dans le ventre, ces feutres à alcool?

Les Twinmarkers

On va faire passer les Twinmarkers de chez Action sur le banc de test avec 3 tests que j’appellerai plus théorique. 

Le premier consiste à essayer les différents types de pointes qui sont sur le feutre à alcool pour voir leurs réactions.

Les feutres de chez Action ont deux pointes, une classique rigide et une pointe pinceaux. 

C’est un choix surprenant car je trouve ça un peu redondant. 

Je m’explique : 

Une pointe pinceau peut-être aussi précise qu’une pointe classique mais ne couvrira jamais autant de surface qu’une pointe biseaux. 

Du coup tu te retrouves avec une pointe fine et une moyennement fine. Tu ne peux pas faire de grands aplats avec. 

Sinon concernant leurs utilisations elle est bonne, les pointes réagissent bien, et l’encre s’écoule correctement. 

Un poil fort au début par contre. 

Lorsque tu essaies de faire des dégradés de couleurs similaires, les feutres font très bien le boulot sans que tu aies à insister. 

Là où ça se corse, c’est lorsque tu dois mélanger des couleurs opposées, type bleu et rouge. 

C’est l’exercice le plus dur pour des feutres à alcool, car les pigments se mélangent difficilement. 

Et bien que tu puisses arriver à un résultat correct avec ces feutres, tu as besoin de tellement insister que l’encre imbibe la feuille et fais déborder l’encre un max. 

Donc ça risque de ruiner ton dessin en utilisation réelle. 

Du côté de chez Arrtx

Au tour des feutres Arrtx Oros de passer sur le banc de test. 

Ces feutres ont une pointe biseau et une pointe pinceau. Ce qui me semble être le combo le plus logique, qui permet d’avoir des traits fins avec la pointe pinceaux et couvrir de grandes surfaces avec la pointe biseaux. 

La première chose que tu remarques c’est que le débit d’encre est bien géré, et que la qualité de la pointe pinceaux est excellente. 

Vraiment très très agréable à l’utilisation. 

L’encre se mélange tout seul, à peine besoin d’insister. C’est assez bluffant. 

Ça me rappelle l’encre de chez Copic qui est très facile à mélanger. 

Autant te dire qu’ils passent le test du dégradé de couleur similaire haut la main.

C’est pareil pour le test de couleurs opposées. Je n’avais pas de bleu et de rouge comme je fais d’habitude, donc j’ai essayé de prendre les couleurs les plus éloignées que j’avais dans ma boite. 

Du vert et du violet. 

Qui se mélangent facilement, sans insister, et qui font un superbe dégradé mélangé. 

Bluffant.

Tu veux apprendre à te servir parfaitement de tes feutres à alcool?

Si tu es sur cet article, y’a de grandes chances que tu sois intéressé par les feutres à alcool, ou que tu en es déjà. 

Et ça tombe bien, parce que j’ai créé une formation dédiée spécialement au sujet. 

Pour t’apprendre à utiliser tes feutres à alcool correctement, comme un pro et passer au niveau supérieur. 

Au programme de la formation : 

• Apprendre à faire des dégradés parfaits,
• Apprendre à construire différents types de dessin pour faire du style manga, du style tatouage, 
• On verra aussi comment choisir des couleurs qui vont parfaitement ensemble,
• Je te montrerai aussi comment rattraper tes erreurs lors de l’application de la couleur,
• Et tu apprendras aussi à donner différentes ambiances visuelles à tes dessins

Si tu veux aller plus loin dans ta maîtrise des feutres à alcool, je te mets le lien juste ici: https://miennu.com/formations-2/

Et nous on retourne à notre test.

Et en utilisation réelle, ils assurent ou pas?

Dans le feu de l’Action

Comme je te le disais en début de vidéo…

Les feutres à alcool Twinmarkers de chez Action, ce sont des feutres à alcool pas cher.

Mais est-ce que ça veut pour autant dire qu’ils ne sont pas bon? 

Faisons un petit dessin pour voir!

Avec les feutres à alcool de chez Action, à l’utilisation, y’a quelques petits trucs dont on se rends compte. 

Déjà, c’est que l’encre se mélange bien, tant que tu restes dans des teintes similaires. 

Mais le choix des teintes de la part d’action rend le tout un peu compliqué et on se retrouve avec des couleurs ultra contrastées. 

La pointe pinceaux marche bien, même si elle me semble un peu fragile.

J’ai des doutes sur la solidité à long terme. 

Une fois que le débit d’encre se sera calmé après quelques utilisations, je pense que ces feutres permettront de faire la technique de feathering pour les dégradés. Ce qui est un bon point. 

Ce qu’on remarque surtout, c’est que l’encre laisse des petits points blancs à l’application. 

Pourquoi? 

J’en ai aucune idée, mais c’est la et on ne peux rien y faire, changer de papier ne changera rien…

Donc soit tu aimes le côté un peu vintage, soit il faut que tu passes ton chemin. 

Un autre point qui est assez marquant à l’utilisation, c’est la difficulté à ouvrir les feutres, quel que soit le côté d’utilisation. 

Ça peut paraître anecdotique, mais quand tu ouvres plusieurs dizaines, voir centaines de fois tes feutres pendant une illustration,

Ça te fout un peu la haine à force. 

Mais je dirais que le plus gros point noir pour moi, c’est l’odeur. 

Je suis assez sensible du nez, et je t’avouerai que l’odeur est infecte. 

Et comme l’hiver arrive, il est hors de question que je dessine la fenêtre ouverte!

Et chez Arrtx?

Maintenant, on va passer aux feutres de chez Arrtx. 

Les feutres Arrtx Oros sont des feutres qui sont dans le milieu de gamme des feutres à alcool. 

Et bien qu’ils offrent une très bonne expérience pour un prix abordable, ils ne sont pas exempts de défauts. 

Laisse te montrer tout ça en dessin. 

A l’utilisation déjà, j’insiste sur le fait que la pointe pinceaux est juste incroyable. 

C’est une des meilleures du marché sans aucun doute. 

Elle est flexible mais suffisamment maintenue pour ne pas s’écraser. 

Si tu recherches une expérience, les Arrtx Oros sont définitivement dans le haut du panier!

L’ouverture des feutres est facile et se fait même à une main. 

Parfait! 

L’application de l’encre et les mélanges se font parfaitement aussi. 

Ces feutres ont globalement une expérience de dessin de haut niveau, du même niveaux que les Promarkers Brush et les Ohuhu je dirais. 

Et ouai, ça rigole pas!

Si ces feutres t’intéressent et que tu veux te les procurer, je te mets le lien en description juste en dessous! 

Pack Arrtx x90: https://amzn.to/44Wq6Lz 

Hésite pas à passer par ce lien si tu veux les acheter, ça permet de soutenir le blog!

Le seul truc vraiment, vraiment, vraiment rageant avec ces feutres. 

C’est qu’il n’y a pas de bague de couleurs autour d’un des deux côtés du feutre pour indiquer quel côté est quelle pointe. 

Généralement tu as une bague noire autour de la pointe pinceaux. 

Donc tu passes ton temps à ouvrir le mauvais côté. 

C’est un petit détail mais c’est super frustrant.

Quel public pour quel feutre à alcool?

Maintenant qu’on a fait le tour des avantages et inconvénients de chacun de ces feutres à alcool, 

On va s’intéresser à qui correspondent les feutres à alcool Twinmarkers de chez Action et à qui correspondent les marqueurs Oros de chez Arrtx.

On a donc deux positionnements très différents l’un de l’autre. 

Les feutres à Action coûtent environ .30c à l’unité. 

Les feutres de chez Oros coûtent autour des .80c l’unité.

Soit deux à trois fois plus cher que les feutres de chez Action. 

Pour moi les feutres à alcool de chez Action sont des feutres adaptés pour les débutants qui n’ont jamais eu de feutres et qui veulent s’y essayer. 

Ils sont adaptés également pour les jeunes ados qui ne prennent pas très soin de leurs affaires, 

Ou pour ceux qui ont un budget très serré. 

Pour tous les autres dessinateurs, 

Je te recommande de foncer sur les feutres Arrtx. 

L’expérience de dessin est réellement 3 fois meilleures, en sachant que des feutres à alcool ça se garde longtemps, autant avoir plaisir à les utiliser au quotidien. 

Même si le prix est supérieur, on reste sur un budget abordable. Tu peux avoir 80 couleurs pour moins de 100€ ce qui est très loin des copics à 6€ l’unité! 

D’autant plus qu’il y a une attention du détail chez Arrtx qui est là, on sent que c’est des passionnés!

L’expérience et le rendu des feutres Action est très basique là où celle des feutres Oros d’Arrtx est vraiment bonne par rapport au prix que tu paies. 

Ça fait vraiment une différence au quotidien. 

Conclusion 

Donc voilà, c’est tout pour ma comparaison entre les feutres alcool de chez Action et ceux de chez Arrtx .

Si jamais tu veux aller plus loin dans ton utilisation de feutres à alcoo, j’ai fait tout une série de vidéos sur le sujet pour t’aider,

Je te mets le lien juste là pour accéder à la playlist: 

Et si tu veux encore plus d’idées pour choisir tes feutres à alcool, j’ai fait un article pour parler de mon Top 5 des feutres à Alcool pour 2025-2026, c’est par là → 

Et nous on se retrouve dans le prochain article, tchuss.

Miennu.

L’article Les feutres ACTION sont-ils nuls ? J’ai comparé avec les ARRTX! est apparu en premier sur Miennu.

Quand tu fais des vidéos sur YouTube, tu y passes du temps, tu y passes des années.

Tu y passes des heures et des années à faire une vidéo, puis l’autre et puis encore l’autre, à t’améliorer sur plein de sujets: 

sur la prise de vue,
sur le montage vidéo,
sur le marketing,
sur le storytelling,
sur la façon dont tu présentes les choses,
tu crées tes produits,
tu passes énormément de temps, énormément d’énergie et normalement si tu fais ça plutôt bien, ça finit par marcher petit à petit. 

Moi je vais pas te mentir, ça prend du temps.

Si tu le souhaites, tu peux retrouver cet article en vidéo sur ma chaine Youtube: https://youtu.be/qAXPV8ThJDQ 

Le point de rupture : la lassitude de l’algorithme

Sauf qu’au bout d’un moment, t’en as peut-être un peu marre de ce que tu fais, t’en as un peu marre de la niche dans laquelle tu es.

T’en as un peu marre de faire le contenu qui marche parce qu’en fait c’est ce qui se passe. 

Au bout d’un moment, l’algorithme de YouTube, par “l’algorithme” il faut bien comprendre que c’est les gens dans l’histoire. 

L’algorithme c’est ce qu’aime les gens par rapport à ce que tu fais et qui marche pour toi.

Donc c’est ça ton algorithme, il finit par te mettre dans une niche, il finit par te mettre dans une case et au bout d’un moment cette niche, t’en as un peu marre, ça finit par te lasser forcément. 

Ça peut être lassant quand tu finis par faire toujours le même type de vidéo.

Faut-il changer de niche ou s’acharner ?

Alors est-ce que si tu t’ennuies, il faut changer de niche YouTube ?
Est-ce qu’il faut continuer à s’acharner sur un truc qui peut-être te fait moins envie aujourd’hui ? 

Sachant que généralement quand t’es un créateur de contenu, t’es un créatif, avec des intérêts variés donc.

Est-ce qu’il faut changer de niche et essayer de faire des nouvelles choses, soit sur une nouvelle chaîne, soit sur une chaîne que t’as déjà et dans quel cas tu fais un rebranding ? 

Tu vois ce qui se passe et puis tu vois si ça plaît aux gens ou non? 

Tu auras deux écoles si t’as déjà cherché un peu sur YouTube.
T’as déjà probablement vu les deux sons de cloches. 

Je vais te parler un peu de moi avant et je vais t’expliquer ce que j’en pense après.

Si tu dois créer une nouvelle chaîne ou rebrand celle que tu as déjà.

Mon expérience personnelle : du dessin à la création de contenu

Le contexte de ma chaîne de dessin

Si tu tombes sur cet article sans être au courant de ce que je fais, moi ce que je fais c’est du dessin.

J’apprends aux gens à dessiner, je teste du matériel et je parle de créativité.

Ces derniers temps, je fais principalement des tests de matos.

Et en fait YouTube, l’algorithme de YouTube m’a vraiment mis là-dedans.

 Ça fait à peu près cinq ans que je fais des vidéos YouTube, on en est à un peu plus de 200 vidéos.
il y en a 150 je crois qui sont en public et puis il y a toutes celles qui font partie de mes formations.

J’ai fait six ou sept formations de dessin, j’ai plus le nombre en tête que je vends.

Et du coup tout ça au final entre les liens d’affiliation Amazon,

C’est-à-dire:  quand les gens cliquent sur les liens que j’ai mis, ils passent par mes liens, ils achètent, je touche une commission.

Entre les revenus YouTube par la pub et les revenus des formations, j’ai pu commencer à faire un peu d’argent. 

Alors ça monte très doucement,
ça monte très très doucement, 

je n’ai pas les chiffres en tête comme ça, mais ça monte chaque année un petit peu de l’ordre de 30% je dirais, mais pas suffisamment pour que je puisse complètement en vivre.

Le déclic du voyage

Et donc en fait il y a quelques mois je suis parti en voyage, j’avais de l’argent de côté et je suis parti faire du sac à dos, j’ai fait un petit peu la Malaisie, j’ai fait la Thaïlande, je fais la Corée du Sud, un petit peu Singapour aussi.

C’était excellent comme voyage, ça m’a permis de passer beaucoup de temps pour réfléchir, pour me recentrer sur moi-même. 

Si tu as l’occasion dans ta vie, je t’invite très fortement à le faire.

Et donc par conséquent, au bout de cinq ans, j’en ai un peu marre, surtout que je ne dessine pratiquement plus non plus en fait. 

Et je me suis dit:  “bon bah voilà mes orientations ont changé, ce que j’aime à changé et donc aujourd’hui principalement ce que je fais c’est de la création de contenus.”

Ma vie tous les jours c’est de la création de contenus, même si le produit final c’est le dessin, ce que je vis au quotidien, moi c’est de la création de contenus.

Tu vois là ma copine arrive dans une demi-heure, à l’aéroport de Genève, 

Bah vas-y je sors, j’ai une demi-heure pour faire une vidéo, donc je profite d’aller marcher et me balader, d’être dehors pour faire ma vidéo.

L’échec de la transition sur la même chaîne

Et donc je me suis dit: 

“Bon ça me semble pas très très honnête d’aller faire une chaîne de dessins alors que je ne dessine plus du tout.”

Et quand t’es en voyage, t’as une sorte de mouvement permanent, c’est génial, c’est incroyable  comme sensation! 

T’as des millions de possibilités face à toi! 

C’est une bouffée d’air frais.

Ça te fait prendre du temps pour toi, très important pour pouvoir réfléchir. 

Et donc forcément quand t’as un mouvement, t’as l’envie de tout changer.

Sache que ça n’a pas très bien marché pour moi.

Si tu va voir mes 20 dernières vidéos, on va dire que j’en ai fait 5 de dessins qui ont bien performées.
J’en ai fait 3 de dessins qui n’ont pas très bien performées.

Et j’en ai fait une dizaine d’autres qui sont sur d’autres sujets, que ce soit le voyage, quel matériel j’utilise, qu’est-ce que j’avais dans mon sac à dos, avec quoi je voyage etc…

Et force est de constater qu’elles n’ont pas du tout, mais pas du tout performés, ça a été une hécatombe en réalité, ça a vraiment été dramatique.

En fait, j’ai essayé de faire une transition vers une nouvelle niche, je passais du dessin pur, à m’ouvrir un peu plus à la création de contenu et au créatif.

En partant du principe que les créateurs de contenu étaient des créatifs.

Mais en fait, là où ça a un peu pêché à mon avis, c’est de se dire que les créatifs qui allaient tomber dessus feraient abstraction de tout mon historique de dessin.

Alors que je pense que ça n’a pas du tout été le cas.

Et surtout que l’algorithme de Youtube, comme on l’appelle, c’est en réalité l’audience. 

Et quand t’as déjà une audience, Youtube va d’abord servir tes vidéos à ton audience, et si ça marche, et bien il la pousse à plus de monde pour pouvoir définir la cible. 

Sauf que si t’as déjà une audience et que tu leur sers des vidéos différentes de ce qui leur plait, et bah ils vont pas la regarder, c’est normal.

C’est logique, on est tous pareil, on fait tous ça. 

Et du coup ça a posé problème, et ça a fait que mon changement de niche n’a pas du tout marché.

La question du « rebond » et le lancement d’une nouvelle chaîne

Pourquoi le changement radical peut (ou ne peut pas) marcher

Je sais qu’il y a des gens pour qui ça a marché, j’ai déjà vu des vidéos où il y a des gens qui sont passés d’un truc super niche; j’avais vu une vidéo d’une femme qui faisait, à la base, une chaîne sur la religion catholique, et après elle a complètement switché sur du marketing sur Instagram, ça a marché, ça a explosé. 

Très bien, c’est radical. 

Elle expliquait qu’il ne faut  pas avoir peur que ça chute, que le nombre d’abonnés chute, c’est normal, c’est une transition, jusqu’à ce que ça rebondisse sur quelque chose de mieux. 

M’ouais… j’ suis pas bien convaincu de cette histoire. 

En tout cas, j’ai pas le mental, disons que j’ai passé 5 ans à construire ce que j’ai, ça m’embête un peu d’aller tout détruire sur un potentiel coup de tête.

Tester de nouvelles niches potentielles

Ce que j’avais fait il y a quelques mois, c’est que j’avais fait des tests, j’avais des rushs de mon voyage en Corée de l’année dernière, et j’avais fait des mini-channel TikTok et Shorts.

Sur deux sujets : Tech & Voyage

Environ 10 vidéos courtes sur chaque sujets pour voir les réactions du public. 

Une des vidéos sur TikTok dans laquelle je parlais d’ utiliser l’iPhone X en 2025 a fait plus de 250 000 vues. 

Voilà. 

Pour donner un ordre d’idées, le short le plus vu sur ma chaîne de dessin doit être à 50 000. 

Donc c’est énorme.

Il y a beaucoup de potentiel, et c’est quelque chose qui me plaît.

Mais cette chaîne ne s’y prête pas. 

Alors il peut y avoir de la tech et du dessin en même temps.

Ça, ça marche quand c’est les iPad, les tablettes, etc. 

Mais tout ce qui sort un peu du cadre pur et dur du dessin, ça floppe, c’est catastrophique.

Ma théorie sur l’entrechoquement des audiences

Donc j’ai décidé de refaire une autre chaîne.

 Mais pour ceux qui se posent la question, est-ce que ça peut marcher sur ma chaine principale? 

Ma théorie étant que oui, mais il faut que les audiences des sujets que tu veux explorer puissent s’entrecouper.

Typiquement, j’ai vu un Youtubeur français qui avait plutôt axé Business/Dev Perso à l’époque. 

Le très connu Emilio Abril. 

Et Emilio, lui, ce qu’il a fait, c’est qu’il a d’abord parlé de Dev perso, ensuite il a parlé de muscu et après il a parlé de business. 

Ça semble être des domaines très éloignés.
Mais en fait, finalement, quand tu y réfléchis bien, ça touche le même cœur de cible. 

Puisque les personnes dans le développement personnel ont souvent tendance à vouloir faire un business et être à leur compte, pour pouvoir justement développer ce qui les intéressent dans leur vie. 

Et sur la cible masculine, en tout cas, c’est vrai qu’ils ont quand même plutôt tendance à aimer la muscu.

Donc ça, c’est un peu ma petite théorie de ce qui peut marcher.

Moi, c’était pas le cas. 

Évidemment, j’avais une audience de dessinateurs intéressés pour du matos de dessin, plutôt que des créatifs au sens large. 

Je pense qu’à terme, ça aurait pu le faire, d’essayer les créatifs, mais bon, tant qu’à faire, autant essayer une autre chaîne.

Conclusion

Voilà pour la petite explication, si tu souhaites changer de niche, que c’est quelque chose qui te touche. 

Réfléchis-y bien.

Est-ce que l’audience se recoupe vraiment autant que ce que tu penses, ou pas. 

Voilà, on se voit dans le prochain article, 

Et si tu es un créatif et que tu aimes le dessin, j’ai parlé des meilleurs feutres à alcool dans cet article: 

Et de comment j’utilise l’iPad Mini dans mon flow de créateur de contenu: 

Tchuss,

Miennu.

L’article Est-ce une bonne idée de changer de Niche sur Youtube? est apparu en premier sur Miennu.

Et notamment des feutres à alcool, qui est un médium que j’apprécie particulièrement!

Il y en a franchement pour tous les goûts et tous les budgets quand on parle de feutres à alcool. 

Et ça peut rendre ton choix particulièrement difficile si tu ne t’y connais pas. 

Quand tu vois que tu peux te retrouver à payer de 30 centimes par feutre à 7€ le feutre. 

Oui, oui t’as bien entendu!

7€ le feutre!

Et bah t’as pas envie de te tromper dans ton choix de marque. 

Fort heureusement pour toi, si tu es sur cet article, j’ai déjà fait les tests à ta place! 

C’est parti pour parler des meilleures marques de feutres à alcool en 2025-2026. 

Si tu le souhaites, tu peux retrouver cet article en vidéo sur ma chaine Youtube: https://www.youtube.com/watch?v=mZ9vljdMK7U&t=13s 

Explications sur les catégories

Ce qu’on va faire dans cet article, c’est de séparer ça en catégories, car chaque feutre à des forces et des faiblesses, et sera meilleure pour une certaine utilisation ou certaines personnes et pas d’autres. 

On va donc voir les catégories dans l’ordre suivant : 

Le meilleur feutre pour les débutants.

Le meilleur feutre quand tu as un budget un peu serré.

La marque qui obtient la palme du meilleur rapport qualité/prix

Le feutre qui celui qui offre le plus de confort à l’utilisation

Et enfin on aura le feutre qui a les meilleures couleurs avec le rendu le plus pro de tous. 

Si tu as encore des questions sur les feutres que je vais te présenter dans cet article, tu peux soit me demander en commentaire ou alors aller voir les tests plus poussés de chaque feutres sur les vidéos qui leurs sont dédiées, je te mettrai les liens en bas de l’article!

Allez, c’est parti gogo!

Le meilleur feutre à alcool pour les débutants

Quel est le feutre à l’alcool qui est le plus adapté pour les débutants en dessin ou dans le domaine des feutres à alcool? 

Eh bah, je trouve que ce sont les feutres à alcool de chez Action. 

Pourquoi? 

Parce qu’ils sont juste imbattables en termes de prix. 

60 feutres pour 10€… 

Et surtout, ils sont disponibles partout, vu qu’ACTION a une présence de partout en France. 

Alors, est-ce que ce sont les meilleurs en rapport qualité/prix? 

Clairement pas! 

Mais tu as une pointe classique sur eux et une pointe pinceau. 

Et ce sont les pointes que tu utilises le plus en général en dessin. 

Ça te permettra de tester quasiment toutes les techniques avec cette composition. 

Par contre, il y a deux points à avoir en tête avec ces feutres. 

Un, ils ont un gros débit d’encre, donc tu risques d’en foutre partout au départ, surtout qu’ils sont durs à ouvrir et à fermer. 

Et notamment pour des enfants en bas âge.

C’est tentant d’initier des enfants entre 3 et 7 ans avec ces feutres vu le prix, mais le packaging n’est pas super adapté pour leurs petites mains et leurs forces limitées.

Et le deuxième point à avoir en tête, c’est qu’ils ont une odeur super forte, qui nécessite d’ouvrir la fenêtre à l’utilisation, et comme on rentre dans les mois d’hiver, mieux vaut l’avoir en tête! 

Le meilleur feutre à alcool pour les budgets serrés. 

Si tu dessines et que tu as un budget serré pour le matériel, alors je te conseille de regarder du côté de Tongfushop. 

On est sur un coût à 30 centimes le feutre environ. 

Ce qui reste bien plus que raisonnable. 

Oui, avant que jean-michel râle derrière son écran, c’est du chinois. 

Mais leur gros avantage, c’est qu’on reste sur des feutres qui ont une bonne qualité d’encre, meilleure que celle des feutres actions je trouve. 

Par contre la contrepartie, c’est que tu n’as pas de pointe pinceau. 

Juste une pointe classique et une pointe de biseaux. 

Ce qui dans les faits n’est pas la fin du monde. 

Si je te parle de cette marque, c’est parce que je trouve que l’encre se mélange bien et facilement surtout. 

Donc ça rend l’utilisation au quotidien agréable. 

Le gros point noir de ces feutres entrées de gamme je dirais que c’est l’abscence de feutre à l’unité. 

Tu ne peux pas commander juste une couleur que tu utilises plus que les autres si elle meurt, il faudra repartir sur le pack entier. 

D’un côté c’est compréhensible, car la cible pour ces feutres c’est les débutants, mais qui ont déjà testé des feutres avant. 

Si tu as un budget serré et que tu as déjà essayé des feutres à alcool avant, que tu sais que tu aimes ce médium, alors fonce. 

Et une fois que tu les as saigné et économisé pour te payer des meilleures feutres tu les laisseras tomber. 

Ou tu peux faire comme moi et les avoir en plus dans ton placard pour compléter les couleurs que tu n’as pas avec les marques plus chères. 

Si jamais un des feutres de ce test t’intéresse, je te mets tous les liens juste en dessous de chaque partie: 

Pack Tongfushop x120 : https://amzn.to/4pyRFCZ 

Le meilleur feutre à alcool en rapport qualité/prix

Maintenant, quelle est la marque de feutre à alcool qui offre le meilleur rapport qualité/prix ? 

C’est simple, c’est les Ohuhu. 

C’est mon petit chouchou honnêtement, et celui de ma copine aussi d’ailleurs. 

Car ils ne coûtent “que” 1€ le feutre, ce qui est un bon entre deux entre le haut de gamme et l’entrée de gamme. 

Ils délivrent une sacré valeur pour ce qu’ils te coûtent. 

Le packaging est léger, bien équilibré, avec des capuchons faciles à ouvrir  et un plastique haut de gamme. 

Les pointes sont de bonne qualité et tiennent bien dans le temps. 

Ce que j’adore particulièrement des feutres à alcool Ohuhu, c’est qu’ils ont des couleurs ultra vives et saturées. 

Ça donne de la vie à tes illustrations. 

Des couleurs qui tiennent d’ailleurs bien dans le temps, après j’ai jamais mis mes illustrations en contact direct avec le soleil et les UVs, donc je ne suis pas sur de la tenue au soleil!

Et en plus ils sont commandable à l’unité au cas où tu as un trou dans ta collection. 

C’est les feutres que je recommande à la plupart des dessinateurs qui regardent ma chaine Youtube ou lisent mes articles, et en général d’ailleurs. 

Car ce sont des supers feutres qui offrent une qualité plus que correcte à un prix très raisonnable!

Pack Ohuhu x120: https://amzn.to/4oUrVQu 

Tu veux apprendre à te servir parfaitement de tes feutres à alcool?

Si tu es sur cet article, y’a de grandes chances que tu sois intéressé par les feutres à alcool, ou que tu en es déjà. 

Et ça tombe bien, parce que j’ai créé une formation dédiée spécialement au sujet. 

Pour t’apprendre à utiliser tes feutres à alcool correctement, comme un pro et passer au niveau supérieur. 

Au programme de la formation : 

• Apprendre à faire des dégradés parfaits,
• Apprendre à construire différents types de dessin pour faire du style manga, du style tatouage, 
• On verra aussi comment choisir des couleurs qui vont parfaitement ensemble,
• Je te montrerai aussi comment rattraper tes erreurs lors de l’application de la couleur,
• Et tu apprendras aussi à donner différentes ambiances visuelles à tes dessins

Si tu veux aller plus loin dans ta maîtrise des feutres à alcool, je te mets le lien juste ici: https://miennu.com/formations-2/

Et nous on retourne à notre test.

Le feutre à alcool le plus confortable à l’utilisation

Parmi la jungle qu’est le monde des feutres à alcool, il y a ceux qui se démarquent par leur confort d’utilisation. 

Et bien que les feutres Copic soient ceux que je considère comme les plus agréables à l’utilisation, j’aimerai attirer ton attention sur deux autres marques qui ont un confort d’utilisation excellent.

Pourquoi deux plutôt qu’une ici? Tout simplement car elles sont au même niveau l’une comme l’autre ahaha!

Les feutres qui ont le plus de confort à mon goût sont les feutres de la marque Arrtx et les Promarkers brush! 

J’insiste sur le brush dans le nom, car les basiques sont carrément éclatés. 

Alors comment choisir entre les deux si ce que tu recherches avant tout c’est l’expérience d’utilisation ?

En premier les Arrtx ont le packaging le plus complet je dirais, entre la qualité des matériaux, le nombre de couleurs disponibles et l’expérience générale. 

C’est une excellente marque que j’aime beaucoup. 

Je dirais que la pointe de chez Arrtx est plus maintenue, comme tu trouverais chez Copic ou Ohuhu. 

La où la pointe de chez Promarker serait plus flexible,

Pas molle hein!

Mais plus proche d’un ressenti de pinceaux, ce qui est surprenant et très agréable à sa façon

Le petit truc en plus pour les Promarkers brush c’est qu’ils ont un côté un peu spécial dans leur encre, je ne sais pas trop comment l’expliquer mais elle donne un style vintage, très typé tatouage je trouve. 

Par contre ils n’ont pas beaucoup de couleurs, donc si tu as besoin de nombreuses couleurs différentes, il faut que tu prennes une autre marque. 

Donc voila, si tu recherches une expérience incroyable, va chez Arrtx, Promarkers brush ou Copic! 

Pack Arrtx x90: https://amzn.to/4iQuxxr 

Pack Promarkers Brush x48: https://amzn.to/452ACAU 

Le meilleur des  feutres à alcool 

Et en dernier, 

Quel est le meilleur des feutres à alcool? Le king des King. 

Celui que personne n’arrive à détrôner depuis tellement longtemps ? 

Celui qui a tout et que tout le monde envie!

Si tu suis ce blog, tu sais ce que je vais répondre. 

Les Copics bien évidemment. 

C’est affolant de voir à quel point ils n’ont pas de concurrence. 

C’est vrai que ce sont les plus chers avec des feutres entre 5€ et 7€ l’unité, mais woaw, ils valent absolument leur prix. 

Les rendus couleurs sont incroyables, l’encre est ultra facile à mélanger peu importe la couleur que tu choisis d’utiliser. 

Les bouchons s’ouvrent facilement, le plastique est ultra haut de gamme, ils sont rechargeables et trouvables à l’unité. 

Bref, du japonais. 

Et les japonais ils rigolent dans leur produit en art! 

Ils pensent à tout, et ça se ressent dans le choix de leurs couleurs dans les packs des copics, qui sont tout de même à 300€ les 72, pour des Ciaos. 

J’insiste sur le fait que Copic à réalisé un excellent étalonnage et choix de couleurs à l’intérieur des packs qu’ils proposent.

Ils sont pensés pour qu’à ce prix là, tu n’aies pas besoins, fondamentalement, de multiplier l’acquisition de couleurs. 

T’as la crème de la crème, c’est juste dingo. 

Par contre, je les conseillerais uniquement à ceux qui ont déjà un bon niveau de dessin, ou beaucoup d’argent! 

Sinon tu risques de jamais les sortir car vu le prix des feutres, tu te diras qu’il faut absolument que le dessin que tu fais avec vaille le coup!

Et ce serait dommage que des feutres pareils prennent la poussière!

Pack Copic x72 SET A: https://amzn.to/3KHigyE 

Le Top 5 

Et voilà c’est tout pour ce top 5 des marques de feutres à alcool. 

Je voulais refaire une petite liste mise à jour et plus me focaliser sur le type d’utilisation plutôt que sur le budget en soi. 

Et si jamais tu veux en savoir plus sur les feutres à alcool, j’ai créé un guide entier sur le sujet dans une série de 4 vidéos dédiée aux feutres à alcool. 

Je te mets le lien juste là pour accéder à la playlist: 

Et si tu t’intéresses au dessin digital, je suis récemment tombé amoureux de l’iPad Mini 6, j’ai fait un article sur le sujet, tu peux aller le lire ici: 

Tchuss, 

Miennu.

L’article Les meilleures marques de feutres à alcool en 2025 est apparu en premier sur Miennu.

Je me suis toujours demandé à quoi est-ce que ça pouvait bien servir. 

Alors que j’ai dessiné pendant 15 ans, et que j’ai eu pendant une partie de ma période de dessin un iPad, mais je me suis toujours dit que ça faisait un peu cher pour avoir juste une tablette sur laquelle dessiner, résultat : l’iPad prenait beaucoup la poussière. 

Du coup, bah, je m’interroge. 

À quoi est-ce que ça peut bien servir un iPad ?

J’ai eu ma réponse quand j’ai acheté un iPad Mini 6. 

L’avantage de cet iPad, c’est qu’il a une taille de carnet A5, c’est-à-dire que fait la même taille que mon carnet de note, et du coup, je peux l’emmener partout. 

C’est, on va dire, un peu le meilleur des deux mondes, mais c’est pas pour tout le monde. 

Tout le monde ne peut pas avoir un iPad Mini comme tablette.
Et on va en parler un peu plus dans cet article, surtout chez les dessinateurs, c’est un peu particulier. 

Si tu préfères, tu peux retrouver ce test en vidéo sur ma chaîne Youtube: https://youtu.be/G9v9U-aCurY 

L’écran de l’iPad mini, trop petit?

Est-ce que l’écran de l’iPad Mini, il est vraiment mini mini ?
Oui,
oui,
il est… Il est un peu petit, l’écran.

C’est la première surprise que t’as au déballage, et ce n’est pas une surprise dans le bon sens du terme.

Alors avant de l’acheter, je suis quand même allé voir à un Apple Store la taille qu’il fait… C’est vrai qu’il est petit. 

Ce qu’il faut bien remettre en perspective, c’est que l’écran de l’iPad Mini 6, il fait la moitié de l’écran de l’iPad Air 4, que j’ai en 11 pouces. 

Donc du coup, oui, toi t’arrives, t’es habitué à ton iPad Air 11 pouces,

Et là… Wow ! 

C’est un peu ce que je me dis au premier abord, que c’est un peu petit. 

Par contre, tu peux le tenir à une main, c’est vraiment appréciable. 

Ce qu’il faut aussi savoir, c’est que du coup, toute l’interface est réduite à échelle.

T’as même certaines icônes qui sont plus petites que celles que tu as sur les iPhone. 

Du coup, tu es en mode… 

Hum, j’ai un plus grand écran, mais j’ai des icônes plus petites, des interfaces à l’échelle, donc plus petites. 

Et je me suis dit, ah pour dessiner, ça va être chaud. 

Mais en réalité, à l’utilisation, je suis très content d’avoir une plus petite taille d’écran, même si tout est à échelle, et que ce soit plus pratique à emporter partout. 

C’est vraiment le king de la praticité. 

L’iPad mini 6, qui est vieux de 4 ans, sorti en 2021 maintenant. 

Je l’ai acheté d’occasion, et il tourne très bien ce petit. 

Comme au premier jour, comme tous les iPad que j’ai utilisés, j’ai aucun problème.

Et l’Apple Pencil 2, il assure ou pas?

En tant que dessinateur, il y a un truc dont t’as absolument besoin, sur toutes les tablettes, c’est un excellent pencil. 

Et là-dessus, Apple déconne pas trop. 

Déjà que le première génération que j’avais avant était excellent, un peu lourd, un peu mal balancé, mais le deuxième génération qui va avec cet iPad, c’est même que celui l’iPad Air 4. 

C’est pour ça que j’ai pris le mini 6 et pas le mini 7 d’ailleurs.

Il est juste incroyable. 

C’est vraiment le meilleur pencil que j’ai utilisé, et j’en ai fait quelques-uns.

Il est pas forcément aussi confortable que ceux des Wacom à la tenue en main, mais par contre, il est bien équilibré en termes de poids.

Le fait d’avoir le double tap pour changer de la gomme au crayon, c’est géniale!
Il y en a qui aiment ça, il y en a qui détestent ça, qui le désactive.
Moi, j’aime beaucoup, je pense que c’est très pratique, je ne tourne pas trop mon crayon quand je le dessine donc pas d’activation sauvage.

Ça va tellement bien avec l’écran qui est laminé.T’as l’impression de dessiner à même le papier. Je ne peux que te conseiller ce pencil. Après, concernant ce pencil vu que tu es sur du plastique contre du verre, franchement, ça glisse un peu. 

Moi, ça ne me gêne pas, parce que j’y vais doucement quand je trace mes lignes. Donc, j’ai pas mal de contrôle sur ce que je fais. Après, si j’étais dans le speed, oui, c’est sûr que ça glisse beaucoup. 

Après, tu peux mettre une protection d’écran, une paper like, etc.

Je t’en parlerai d’une un peu plus tard dans cet article.

Mais cette histoire de pencil sur l’iPad mini, c’est bien mais ça ne répond pas à la question que tout le monde se pose: Est-ce qu’on peut faire un dessin professionnel avec un iPad mini 6 ? 

L’iPad mini 6 pour faire un travail professionnel?

Il est vrai que l’iPad mini 6, il n’a pas l’air très crédible. Quand tu vois sa taille, tu te dis non, ce n’est pas possible. 

Et tu vois les iPad Pro ou les 11/13 pouces, tu dis:  à aucun moment, il n’est capable de faire un travail professionnel, notamment sur le côté artistique.

La réponse courte étant: il peut. 

Après tout, il a à peu près les mêmes caractéristiques, le même écran, le même pencil, un meilleur processeur que le Air 4, qui lui me sert à faire des dessins professionnels, des illustrations Pro. 

Il a le même niveau de rame, il a le même OS au final.

Et c’est exactement la même chose. 

Et on va ouvrir ensemble quelques petites applications. 

Je vais faire le test sur Fresco, je lui mets plein d’effets de peinture.

Aucun problème. 

Pareil pour Procreate, à part le nombre limité de calques, mais il y aura le même problème sur les modèles plus grands de la même génération. 

Aucun problème. 

Il encaisse très très bien ce petit iPad.

Pareil, si tu l’ouvres Clip Studio, j’ai un fichier qui fait entre 70 et 100 layers, 100 calques avec des effets, etc. C’est vraiment très lourd.

Aucun problème, il l’ouvre.

Et puis la question c’est qui a 100 layers ? Qui fait ça ?

Si tu fais ça, c’est que tu n’as pas bien optimisé ton niveau de layers.

Peu importe. 

Pareil, pour la 3D.

Avec ZBrush, bah il tourne nickel. 

Pourtant, ça demande plus de ressources. 

Donc la réponse est oui, tu peux produire des œuvres artistiques professionnelles sur un iPad mini. 

La seule petite chose, c’est la taille de l’écran qui peut être un peu petite si tu as besoin de l’interface complexe, par exemple, sous Clip Studio. Là, tu vas te retrouver un peu serré pour le dessin. 

Mais après, si tu as l’habitude de dessiner sur du A4 ou plus petit, tu ne seras pas particulièrement gêné. 

Moi, j’ai très rarement dessiné sur du A3. Ce n’est pas trop mon kiff, les grands formats. 

Et là, je ne me sens pas limité quand je fais un dessin avec. 

Si jamais je te mets le lien en description pour pouvoir te le fournir en reconditionnée, parce qu’il se vend plus vu qu’il est 2021, mais qui reste complètement à l’heure du jour.

Si tu veux te le fournir en reconditionné: https://amzn.to/495nuxn 

L’avantage c’est que même si dans 3-4 ans, il n’a plus les mises à jour de sécurité, tu pourras quand même toujours l’utiliser en tableau des dessins. 

Tu n’as pas besoin d’avoir le dernier du dernier du dernier sur des iPads. 

Moi, je te le déconseille. 

Les accessoires que j’utilise avec mes iPads

Je trouve vraiment qu’il n’y a pas vraiment d’intérêt à avoir le top du top, à part si tu as des besoins ultra spécifiques. 

Je te mets également le lien pour la coque de protection que j’utilise au quotidien avec cet iPad. 

La coque de protection : https://amzn.to/4acgWOz 

Et je te mets également le lien vers un écran de protection que j’ai utilisé par le passé. L’avantage, c’est que cette protection, elle est magnétique, donc elle s’enlève et elle se remet comme tu le souhaite.

L’écran de protection magnétique: https://amzn.to/48PcliS 

Je ne l’utilise pas sur cet iPad Mini 6 parce que je ne dessine pas beaucoup en ce moment. 

Mais à l’époque où j’en faisais beaucoup, j’ai trouvé ça très très pratique.

Ça t’évite d’avoir les couleurs qui sont trop dénaturées par une protection d’écran qui est bien fixée et collée. 

iPad Mini 6, c’est un couteau suisse. 

C’est vraiment un couteau suisse, c’est le compagnon idéal quand tu as besoin de faire plein de choses différentes.

 Par exemple, je peux écrire dessus et prendre des notes.

Je peux lire parce que la taille s’y prête, tu peux le tenir à une main et hop, tu lis, tu es comme ça, tu es bien. 

Tu peux faire des illustrations. 

Tu peux t’en servir comme moniteur externe, comme deuxième moniteur pour le MacBook si tu en as besoin. 

Tu peux faire des planches de réflexion sur Freeform, sur Canva. 

Tu peux prendre des notes dans Apple Notes, tu peux écrire tes réflexions sur Good Notes, tu peux écrire de la musique.

C’est pour moi le format idéal d’un iPad. 

Tu peux l’emmener partout, tu peux le mettre dans la banane et hop, tu peux dessiner, tu peux prendre tes notes.

J’ai beaucoup parlé de dessin, mais en même temps, il y a tout plein d’autres choses que tu peux faire avec qui vont venir s’ajouter à la praticité de cet iPad que je te conseille très fortement. 

En sachant que cet iPad fait à peine le poids d’un carnet de note, peut-être même plus léger suivant le carnet de note que tu t’utilises. 

Il est aussi idéal pour dessiner dans le canapé.

Si tu as envie de prendre un moment, gribouiller ou que tu es en train de regarder une série, tu sketches un peu, c’est parfait.

C’est vraiment la taille idéale, c’est vraiment la taille adaptée.

Et puis le point bonus, tu peux installer des jeux. 

Tu peux… bon, il n’y en a pas énormément sur l’iPad. 

Moi, je joue pas mal à Genshin Impact. 

Bah voilà, t’as un écran qui est plus grand que ta Switch, qui est plus léger. Et… t’es là, t’es tranquille, t’es posé dans le canapé, en train de jouer à même l’écran. 

Pour qui est fait cet iPad?

Pour les dessinateurs

Alors un iPad Mini 6 ou 7, pour qui c’est ? 

Qui bénéficie le plus d’avoir un iPad Mini ? 

Alors, côté dessinateur, je dirais qu’il y a vraiment deux groupes. 

Il y a ceux qui ne vont pas avoir besoin d’un grand format, parce qu’ils n’en ont pas besoin. 

Ils préfèrent le côté portable et pratique de pouvoir dessiner où tu veux, quand tu veux, dans ton canapé, sur ta table, au bar, etc.
Du coup, qui ne dessinent pas non plus pas trop de détails. Parce que sinon après, c’est vrai que tu vas tout le temps être en train de zoomer, dézoomer, zoomer, dézoomer. 

Si c’est ton cas, c’est vrai que tu bénéficierais beaucoup plus d’avoir un plus grand iPad ou une tablette secondaire à la maison avec un grand écran qui te permettrait de pouvoir dessiner dessus. 

Pour les créateurs de contenus

C’est aussi utile pour ceux qui sont dessinateurs et créateurs de contenu, qui vont faire des vidéos. 

Parce que là, il y a un côté très très versatile. 

Tu peux l’utiliser dans plein de fonctions différentes. 

C’est aussi idéal pour ceux qui veulent prendre pas mal de notes rapidement, un peu partout, mais qui veulent aussi garder ce côté digital, des notes que tu pourras, sur tous tes objets interconnectés. 

Là, c’est plus pratique effectivement d’avoir un iPad mini, parce que tu l’emportes partout.

Pareil, si tu as besoin de lire pour ton travail ou même pour avoir de l’inspiration en tant que dessinateur, ou si tu veux lire des mangas, etc. 

Là, c’est plus pratique, c’est léger, c’est portable, c’est connecté.

Voilà. 

En gros, pour faire très simple, soit tu dessines énormément et tu as besoin d’une grosse tablette, parce que tu as besoin de beaucoup de détails et tu as besoin d’un meilleur écran, etc.

Soit tu es team mobilité!

L’iPad est le meilleur Ipad, mais il n’est pas pour tout le monde!

Pour moi, c’est le meilleur iPad de tous les temps.

Et en fait, je regrette tellement d’avoir attendu autant d’années en me disant, « Ouais, mais il est tout petit, il est minis, il est minis, il est tout petit. » 

Bah ouais, mais en fait, c’est ce dont j’avais vraiment besoin. 

Il y a ce que je voulais, et ce dont je pensais avoir besoin, et puis il y avait ce dont j’avais vraiment besoin. 

Et en fait, finalement, ça a du sens.

Parce que lors de mon voyage, quand j’ai fait mon voyage en Asie et en Asie du Sud-Est, je me suis fait chier avec l’iPad 11 pouces qui prenait beaucoup de place, il était lourd pour pas grand-chose.

Donc c’est tout pour mon petit retour d’expérience sur l’iPad Mini 6. 

Et si jamais l’iPad Mini, c’est pas fait pour toi, ce que je peux comprendre, après tout, c’est pas fait pour tout le monde. 

Tu hésites entre l’iPad, l’iPad Air et l’iPad Pro ? 

J’ai fait deux vidéos sur le sujet, je te mets les liens juste en dessous. 

Et comme ça, tu peux aller te renseigner, je t’en parles plus en détail, des besoins, des avantages et des inconvénients de chaque taille. 

Et nous, on se retrouve dans le prochain article. 

Tchuss, 

Miennu. 

L’article L’iPad Mini 6 est-il le meilleur iPad pour créer? est apparu en premier sur Miennu.

PARTIE 1/3

Salut à toi, j’espère que tu as la forme? 

En tous cas, de mon côté, je suis super content de te faire cette série d’articles à venir.

Ça va être instructif et passionnant. 

Pour rappel, dans ces articles on parlera de l’Irezumi en générale, ses origines, sa place dans la culture, sa réputation sulfureuse et les thèmes principaux de cette discipline. 

Cette série est une série secrète de mails que j’ai envoyé par le passé aux personnes abonnées à ma newsletter. 

Pense à t’abonner pour recevoir les prochaines séries de mails!

Allez, c’est parti!

La signification du mot Irezumi

On va donc commencer par parler de la signification du mot ‘Irezumi’. 

L’irezumi, qui est le tatouage traditionnel Japonais, est particulièrement connu pour être présent dans la mafia japonaise, chez les yakuzas. 

C’est un peu triste à dire, mais si cet art est encore en vie, c’est ‘grâce’ à la mafia.

En occident, ce terme réfère spécifiquement aux tatouages japonais et son style graphique très particulier.

Au japon, c’est un terme plus large qui peut référer à plusieurs choses. 

La signification littérale de ce terme est le fait d’ “insérer de l’encre (sous la peau)”. 

Mais pour comprendre l’implication de ce mot il faut contextualiser un peu plus que la traduction littérale. 

Ce qu’était l’Irezumi à la base

‘Irezumi’ était le nom donné aux tatouages punitifs utilisés pour marquer les personnes ayant commis des crimes, et ce à partir du 5ème siècle après J.C. 

C’était également le terme qui était utilisé pour parler des tatouages qui servaient à sceller un pacte entre deux personnes. 

Il peut aussi simplement désigner les tatouages faits de plein gré ou encore le tatouage en lui-même. 

Pour rentrer un peu dans le détail, à la place du mot ‘Irezumi’ le terme ‘Horimono’ est souvent utilisé pour désigner la pratique traditionnelle du tatouage. 

Ce terme signifie littéralement “ornement gravé sur le corps”, c’est le même terme qui est utilisé pour les ornements des épées. 

‘Horimono’ sert généralement à décrire un full-body, c’est-à-dire un corps (presque) entièrement tatoué. 

Une connotation devenue négative

Il faut tout de même noter que le terme ‘Irezumi’ a pris une connotation très négative avec le temps, à cause des Yakuzas.

Horimono à l’inverse est associé à l’art et jouit d’une image positive…

… Bien qu’il décrive la même chose qu’Irezumi. 

Pourtant ça n’a pas toujours été le cas, il y a eu des périodes dans l’histoire japonaise ou les tatouages étaient en forte demande et même à la mode. 

Au point que des princes étrangers venaient jusqu’au Japon pour se faire tatouer. 

On va maintenant parler des différentes périodes de tensions et de regain d’affections au cours de l’histoire japonaise. 

Histoire durant laquelle le tatouage a toujours eu une relation conflictuelle avec les autorités voulant imposer leur bien pensance et le formatage de leur population. 

“Voleur” tatoué en gros sur le front

Irezumi-kei. 

C’est son petit nom, au tatouage punitif. 

Et franchement, t’as pas envie d’en avoir un. 

On est loin du tatouage sexy. 

Très loin… 

On en reparle plus bas dans cet article, je te mettrai une photo qui illustre ce à quoi ça pouvait ressembler à l’époque. 

Mais d’abord parlons du commencement. 

Le tatouage japonais : Au commencement

Le tatouage au Japon est présent sur l’archipel,  au moins depuis le 3ème siècle après J.C. 

Je dis ‘au moins’ car il se pourrait même que les premier tatouage remontent jusqu’à -10 000 avant J.C. 

Les archéologistes ont retrouvé des statues de terre cuite avec des marquages sur le visage. 

Mais seulement après analyse…

… il a été révélé que ce n’était pas un marquage réalisé avec une technique de peinture mais avec une technique de tatouage!

Cette révélation nous laisse imaginer assez facilement que le tatouage est plus ancien que le 3ème siècle. 

Bon, les experts ne sont pas forcément d’accord la dessus, donc on ne va pas épiloguer ;). 

Revenons à la période du 3ème siècle après J.C, à ce moment-là, les tatouages étaient assez répandus. 

Ils servaient à départager les individus suivant leurs rangs dans la société. 

Ils étaient également utilisés comme une sorte de charme porte bonheur, notamment pour les pêcheurs de coquillages (métier très dangereux), afin de les protéger des créatures marines. 

Jusque là, c’était une utilisation classique.

Mais à partir du 5ème siècle, le vent tourne et la tempête souffle sur le tatouage

Les choses changent radicalement. 

Et pas pour le meilleur…

L’influence de la Chine sur la culture de Japon et de l’Irezumi

C’est à cette époque là, que la Chine a commencé à fortement influencer le Japon.

En important son système d’écriture, mais également les différents contes et mythes. 

Comme par exemple le phénix japonais ‘Hō-ō’ (comme le pokémon) qui est tiré directement du mythe chinois de ‘Fenghuang’. 

Ces importations ont bien aidé à développer la culture chez un peuple qui n’avait même pas de langage écrit. 

On peut donc se dire que l’expansion des arts aurait dû permettre à l’Irezumi de prendre un nouveau souffle et de se développer, non?

Eh bien, non non non.

Pour deux raisons. 

La première, très pratico-pratique,  c’est qu’en Chine le tatouage était utilisé pour marquer les esclaves et les personnes ayant commis des crimes. 

Afin que tout le monde le remarque bien.

C’est plutôt une bonne idée pour ostraciser les gens, tu ne trouves pas? 

Et la seconde, plus philosophique, c’est que d’après la philosophie Confucianiste, il ne faut pas dégrader le corps que nous ont donné nos parents. 

Se faire un marquage permanent était donc considéré comme un bafouement du respect que l’on doit à ses géniteurs.

Bien entendu, les classes au pouvoir étaient éduquées suivant cette philosophie. 

Méprisant par conséquent les basses classes pour cette pratique. 

Si tu ne sais pas qui est Confucius, je t’invite à aller te renseigner car il est considéré comme l’un des philosophes les plus influents de l’histoire.

2500 ans après sa mort, ses doctrines ont encore de l’influence, c’est dire… .

Les Japonais ont donc commencés à faire comme les chinois, et l’âge noir de l’Irezumi commença. 

La descente aux enfers de l’Irezumi

Je t’avais promis une petite photo, regarde à quoi ça pouvait ressembler au Japon. 

Quand je te disais que ce n’était pas des plus sexy…

Ni passe partout d’ailleurs.

Tu t’imagines toi, te balader avec un “voleur” marqué en gros sur le front?

Ce genre de tatouage punitif restera en vigueur du 5ème siècle jusqu’au 12ème siècle environ. 

S’ensuit une période de paix, plus propices aux tatouages jusqu’au coup d’État du Shogunate Tokugawa au 17ème siècle. 

Ce gouvernement féodal et militaire va ré-instaurer des règles strictes et prohiber le tatouage. 

Son but? 

Tenir sa population dans une société hautement stratifiée et isolée du monde. 

L’heure de la prohibition venait de commencer. 

C’est à partir de ce tournant dans l’histoire Japonaise que les Yakuzas vont s’emparer petit à petit de ce symbole. 

Et que l’Irezumi écopera d’une très mauvaise réputation au sein du peuple…

…Et ce,  jusqu’à nos jours. 

C’est tout pour cet article qui est bien assez long ! 

On se retrouve la semaine prochaine pour parler plus en détail des raisons qui ont fait que Yakuzas et Irezumi se sont liés par le sang et de l’évolution de l’Irezumi sous la prohibition.

La bise. 

Miennu. 

L’article L’histoire de l’Irezumi : un art rebelle est apparu en premier sur Miennu.

Sans hésiter, c’est la fleur de cerisier.

Elle a traversée les siècles et a été utilisée sous toutes ses formes. 

Aujourd’hui, nous allons voir ensemble comment réaliser ce motif de façon traditionnelle, telle qu’elle est représentée dans l’Irezumi. 

Et tu vas voir que ce motif est plus simple à dessiner que tu ne le pense.   

Tu verras que ce n’est pas compliqué à faire, mais que c’est assez subtil, la moindre déformation dans la longueur ou la largeur, fait perdre cet aspect fleur de cerisier. 

Allez, c’est parti ;). 

Si tu le souhaites, tu peux retrouver ce tutoriel au format vidéo sur ma chaine YouTube : CLIQUE

La réalisation de la fleur de cerisier

1. La première étape est de réaliser un cercle 

2. Une fois que c’est fait, il va de nouveau falloir tracer un cercle, au centre du premier cercle.
   

3. Tu vas ensuite tracer cinq traits qui partent du centre.
   
   
   
   Ce seront les limites de tes pétales, essaye donc de garder le même écart entre chaque traits.
   
   
   
   
   
4. On va maintenant commencer à tracer les pétales.
   
   
   
   Pour ce faire, tu vas tirer deux traits qui partent du centre et qui ont les formes d’un œuf.
   
   
   
   Je te conseil de faire dépasser les traits de ton œuf des limites de chaque pétale que tu as tracé précédemment.
   
   Cela permettra d’avoir des pétales avec une forme plus arrondie.
   
   Le haut du pétale dépassera de notre cercle.
   
   
5. Tu répètes ensuite l’opération 5 fois au total, pour arriver au nombre de pétales qu’à une fleur de cerisier.
   
   
   
6. La suite, c’est de faire les petites encoches sur le haut du pétale, qui font qu’on reconnait cette fleur parmi tant d’autres.
   
   
   
   Tu peux les faire à l’œil mais je te conseille plutôt de faire autre chose.
   
   Tires un trait qui sépare ton pétale en deux et qui part du centre.
   
   Et ensuite, tu fais l’encoche au point de croisement entre ton dernier trait et le haut du pétale.
   
   
   
   
7. Maintenant on va s’attaquer au centre de la fleur de cerisier.
   
   Sache qu’il existe beaucoup, beaucoup de façon différente de le dessiner.
   
   Je te montre sur cette vidéo ce qui m’a inspiré sur le moment.
   
   J’ai décidé de tracer des cercles tout autour du cercle centr ale, comme un bracelet de perles.
   
   
   
8. Et enfin on trace les feuilles de la fleur.
   
   
   
   Tu n’es pas obligé de faire les feuilles, mais perso j’aime bien les faire, je trouve que ça rajoute de la texture.
   
   Pour les faire rien de plus simple, tu tires un trait qui part d’entre les pétales et tu fais la pointe de la feuille à cet endroit.
   
   En veillant à ne pas trop dépasser par rapport au haut des pétales.
   
   
   
   Et voilà, ta fleur de cerisier est faite!
   
   

Pour aller plus loin

C’est fini pour ce tuto. 

Si jamais tu souhaites apprendre comment dessiner la fleur de cerisier avec des points de vue différents, saches que j’ai créé une formation accessible à tout le monde sur le thème des fleurs japonaises. 

Dans cette formation, on va beaucoup plus en profondeur que le tuto que tu viens de suivre. 

On analyse notamment en détail la structure de chacune des fleurs et on voit ensemble des techniques de dessin plus poussées. 

Au programme : La Pivoine, le Chrysanthème, le Lotus, l’Œillet et la Fleur de Cerisier.

Je reçois ma formation gratuite!

Allez, la bise, on se retrouve dans le prochain article.

L’article Comment dessiner une fleur de cerisier japonais? est apparu en premier sur Miennu.

C’est ce qu’on va faire aujourd’hui, customiser les air force 1 de mon petit frère. 

C’était son cadeau d’anniversaire et il m’a demandé de lui dessiner ses deux personnages préférés de la série Jujutsu Kaizen. 

A savoir Toge et Sukuna. 

J’ai donc commandé 3 pots de peintures acryliques de la marque Angelus, réputé pour leur tenue sur cuir. 

Un pot noir, un pot blanc et un finisher, qui place un film sur la chaussure, lui donnant un côté unie, brillant et surtout qui la protège. 

C’était la première fois que je customisais des nike air force 1, et des chaussures de manières générales. 

Honnêtement, j’ai fait ça sur un coup de tête, et je vais pas te mentir, c’était pas la chose la plus simple que j’ai eu à faire jusque là, tu vas voir!

On notera d’ailleurs que le style graphique des ces chaussures est typé manga dans cette vidéo, alors qu’on parle d’irezumi sur cette chaine normalement. 

Mais je me suis dit que ça pourrait peut-être en intéresser certains ou certaines, ça peut donner des idées. 

De toute façon, j’ai prévu de me faire une paire avec des motifs irezumi dessus un de ces quatres! 

allez , c’est parti,  Laisse moi te montrer comment j’ai fait ;). 

Tu peux retrouver cet article au format vidéo sur ma chaîne Youtube : CLIQUE

Préparer la customisation des NIKE

Comprendre ton médium et la dynamique de l’anime

La première chose à faire pour pouvoir créer un design, c’est de se renseigner. 

Il me fallait comprendre deux choses : 

• L’univers de Jujutsu Kaizen, et notamment les personnages de Sukuna et Toge demandés par mon frère
• Et ensuite, il me fallait bien comprendre la structure des air force 1 pour pouvoir créer mon design. 

Pour les chaussures, J’ai donc décidé d’imprimer des feuilles avec des plans des Nike afin de bien observer et dessiner dessus. 

Pour Jujutsu Kaisen, Il s’agissait d’un animé récent que je n’avais pas vu. 

Ce que j’ai fait, c’est de commencer par me renseigner sur le physique des personnages en question afin de me familiariser un peu avec eux. 

J’ai également demandé à mon frère de m’envoyer les images qu’il aimait bien, de ces deux personnages, en guise de références.

Je me suis malheureusement vite retrouvé limité car pour faire l’intérieur des chaussures, j’avais besoin d’avoir des éléments supplémentaires sur chacun des personnages.  

J’ai donc pris mon courage à deux mains et j’ai décidé de partir pour la phase la plus dure de la création. 

25 épisodes plus tard…

Une fois bien avoir compris ce qu’il se passait dans cet anime, les dynamiques et les personnages, j’étais chaud pour faire un design bien trash pour aller avec l’ambiance assez sanglante de l’anime. 

Mais mon frère ma arrêté, et m’a demandé de faire un design simple, noir et blanc et somme toute assez minimaliste pour être passe partout. 

J’ai donc écouté les souhaits de mon petit frère, à contre-cœur j’avoue, et je suis parti sur un design assez tempéré. 

En regardant l’animé, j’ai trouvé la proéminence des bandes noires très intéressante. Les bandes qu’ils ont sur leurs corps et qui ressemble un peu à des tatouages de type tribal. 

Je me suis dit que ces bandes noires étaient une façon originale d’unifier les personnages et la chaussure. Ce genre de motif permet de combler les vides et jouer sur l’espace négatif. 

Une fois le design réalisé sur papier, il est l’heure de passer au vif du sujet, la réalisation. 

La Customisation des NIKE Air force  

Une technique, très, très, sale!

Bien entendu, c’était la première fois que je faisais ce genre de projet, j’ai donc fait comme toute personne normalement constituée, et je suis allé voir des vidéos de customisation des AIR FORCE 1 sur Youtube.

Et au détour d’une vidéo, j’ai vu une technique, très, très sale! 

Elle vient de la vidéo de Sierato

Tiens le lien si tu veux aller voir.  https://youtu.be/sitD1_nkTYI?t=304 

Pour faire simple, la technique consiste à imprimer une image de l’anime que tu souhaites réaliser et de détourer les personnages, directement sur ta chaussure. 

En voyant ça, j’ai trouvé ça très, très sale! 

Et forcément, j’ai eu envie d’essayer de voir ce que pouvait donner une telle technique!

J’ai donc essayé. 

Avantages et inconvénients de cette technique

Cette technique, elle a des gros avantages, mais elle a des gros inconvénients. 

Le gros plus de cette technique c’est que tu n’as qu’à détourer. Ce qui fait que tu n’as pas besoin de savoir particulièrement bien dessiner pour le faire. 

Tu n’as pas besoin, non plus, de perdre du temps à analyser le personnage, tu l’imprime et hop c’est parti. 

Le gros désavantage de cette technique c’est que c’est juste du vol. Si tu vends les chaussures bien sûr. 

Si c’est personnel, tu t’en tapes un peu.

Je parle de cette idée plus en détail dans mon article sur le décalquage.

Le second désavantage à cette technique, c’est qu’il va te falloir un minimum de base en dessin quand même. Juste un tout petit peu.

Je m’explique, les animes sont filmés en 12 ou 24 images par seconde. Ce qui fait beaucoup d’images comme tu t’en doutes. 

Et pour économiser du temps et de l’argent, certaines images ne sont pas 100% parfaites anatomiquement parlant. 

C’est pas gênant quand tu regardes, parce que ton temps de réaction en tant qu’humain est d’une seconde, donc tu as pas le temps de voir tous les petits détails des 12 images. 

Mais quand tu fais une illustration, c’est comme si tu mettais sur pause, et donc tu as le temps de bien regarder tous les petits détails et de voir les défauts anatomiques. 

Et si tu recopies bêtement, et bah, ça va se voir. 

Je te conseille donc, comme d’habitude, d’apprendre à dessiner un minimum. 

La réalisation des AIR FORCE 1 custom

Pour ces chaussures j’ai eu tendance à faire une face et puis l’autre.

De manière générale, j’ai posé le croquis sur le cuir de façon assez conforme à ce que j’ai fait sur papier, sauf pour Sukuna, qui a été changé au dernier moment sur demande de mon frère. 

J’ai utilisé la technique de détourage pour les personnages qui sont sur l’extérieur des chaussures

Pour l’intérieur, j’ai simplement pris des exemples que j’ai recopié pour le saumon et le doigt de sukuna.

Une fois les croquis faits, je suis passé à l’encrage au pinceau, des personnages dans un premier temps puis des formes géométriques, qui faisaient office de fond. 

A ce propos, fais attention si tu veux te tester à la customization de air force 1.

Pour la customisation, on utilise de la peinture acrylique pour le cuir.

Ce qui veut dire que la peinture n’est pas simple à travailler car elle est pâteuse. 

Prévoit également des pinceaux adaptés car la peinture ne pardonne pas. 

Il y a du solvant dedans pour la faire accrocher au cuir, ce qui veut dire que tu oublies les pinceaux en poils naturels, ça va les bouffer. 

Et enfin on remplit ce qu’il reste, on signe et hop c’est fait. 

Si jamais tu souhaites que je te fasse des AF1 customisés tu peux m’envoyer un mail à miennu@miennu.com pour m’expliquer un peu ton projet.

On discutera un peu pour voir ce qu’on peut faire avec tes idées et si c’est réalisable ou non :).

J’ai un peu de temps libre en ce moment donc je suis ouvert aux commandes! 

Conclusion

Il y aura eu quelques petites difficultés comparé au dessin sur papier, mais rien d’insurmontable au final. 

J’ai opté pour la simplicité sur tous les plans ici, aussi bien sur le fond que sur la colorisation, aucun ombrage ni rien.  

Et je pense que c’était le bon choix pour commencer.

Pur minimalisme. 

Le plus long dans cette histoire c’est de trouver la bonne technique pour peindre sur les chaussures,pour l’encrage ect… 

Une expérience amusante, à recommencer !

La bise, 

Miennu.

Pour aller plus loin :

J’ai créer une formation sur le thème des fleurs Japonaises.

Le but est simple : t’apprendre en profondeur chaque fleurs pour que tu arrives à les dessiner sans modèle.

Au programme : La Pivoine, le Chrysanthème, le Lotus, l’Œillet et la Fleur de Cerisier.

Je reçois ma formation gratuite!

L’article Comment customiser des NIKE AIR FORCE 1 – Jujutsu Kaisen est apparu en premier sur Miennu.

As-tu déjà entendu parlé de l’aquarelle japonaise? 

Parce que c’est ce qu’on va tester aujourd’hui.

La grosse différence avec notre aquarelle occidentale, c’est qu’elle est légèrement plus proche de la gouache. 

Elle est plus épaisse et conserve par conséquent, bien mieux ses pigments une fois que tu la dilue avec de l’eau. 

On va voir ensemble ce que vaut l’aquarelle Gansai Tambi de la marque Kuretake. 

Kuretake, Kesako?

Alors Kuretake, c’est donc une marque japonaise qui fournit tout une batterie de produits de bureautique. 

Principalement pour dessiner. 

Feutres liner, pinceau,encre, plume de calligraphie,  pinceau à réservoir, aquarelle, feutre à alcool etc… 

Ils évoluent dans le même domaine que Pentel, japonais lui aussi. 

De manière générale j’aime beaucoup les produits japonais qui ont tendances à être de très bonnes factures. 

Certes plus cher, mais bien plus qualitatif. 

Attention, ce n’est pas une vérité, seulement une tendance que j’observe dans le domaine de l’art. 

Le même test pour toutes les aquarelles

Pour en revenir à notre aquarelle, histoire que tu puisses comparer avec le test que j’ai fait précédemment sur l’aquarelle winsor & newton, j’ai décidé de tester les mêmes couleurs que ma petite palette. 

Le but du test étant toujours le même : Savoir si je te recommande ou non cette palette et si je considère qu’elle puisse être utilisée à un niveau semi-pro ou pro. 

Tu peux retrouver le test de l’aquarelle de Winsor & Newton ici : CLIQUE

Pour rappel, les vidéos de test sur ce site web ne sont pas sponsorisées, je tiens à garder ma liberté d’expression ;). 

Si tu préfères regarder ce test en vidéo, tu peux le faire ici : CLIQUE

Sans plus attendre, c’est parti pour ce test! 

Le test de l’aquarelle Gansai Tambi de Kuretake

Le packaging de la Gansai Tambi

Taille XXL & Minimalisme

La première chose que l’on remarque avec cette palette, c’est ce packaging vert et minimaliste. 

Seulement une reliure couleur or en mode sceau de signature avec le nom de la marque. 

Lorsqu’on l’ouvre, on découvre une suite de godet de couleurs vives. 

Très agréable à regarder. 

Pour tout te dire, je me suis senti coupable de massacrer la peinture lors de la première utilisation. 

Le gros plus du packaging c’est que les godets sont EXTRA LARGE. 

Et encore je pèse mes mots. 

Ils sont quatre fois plus gros que des demi-godets et deux fois plus gros que des grands godets occidentaux. 

La raison? 

En Asie, ils ont tendance à réaliser leurs aquarelles avec des pinceaux de calligraphies. Les pinceaux ont par conséquent une tête plus longue que ceux en occident. 

Et comme j’utilise des pinceaux de calligraphie pour peindre, c’est le pied!

Le problème de cette palette

Je sais que c’est le début de l’article, mais comme nous sommes dans la rubrique du packaging, parlons du problème principal de cette palette. 

Problème qui ne vient pas réellement de cette palette, d’ailleurs. 

Je m’explique; ces godets, au même titre que tous les autres, finissent par se vider. 

Une fois vide, il faut les changer, les remplacer. Et les ennuis commencent. 

Il n’y a pas de moyen d’acheter les godet à l’unité directement auprès de Kuretake. 

Ce qui veut dire qu’une fois ton godet fini tu n’a que deux options : 

1. Racheter une palette complète.
   
   Ce qui est clairement stupide car les couleurs que tu n’utilise pas finissent par s’acumuler.
   
2. Te fournir auprès de sites tiers qui vendent les godets à l’unité.

J’ai regardé rapidement en ligne, et il existe effectivement des moyens de te fournir les godets à l’unité sur des sites tiers. C’est pas forcément ce qu’il y a de plus pratique, mais c’est faisable. 

Mais je pense qu’il est important de t’en parler car cela peut rendre ton expérience désagréable sur le long terme. 

Les teintes de la palette d’aquarelle Gansai Tambi

Une bonne palette, c’est avant tout une question de qualité de pigments et du choix de l’assortiment. 

Fort heureusement, Kuretake à fait un bon travail sur le choix des teintes. 

Il y a plus de rouge que d’habitude, du noir et même deux couleurs chairs. 

Les couleurs chairs, en aquarelle, ça ne court pas les rues, et c’est très appréciable honnêtement. 

C’est un gain de temps et de consistance considérable quand tu dessines des personnages.

Après, quand on regarde la palette dans son ensemble, il y a beaucoup de nuances de vert. 

Idem pour le bleu. 

Ce qui n’est clairement pas mon créneau, mais qu’importe, cela plaira probablement à beaucoup de gens. 

Certaines nuances de vert sont un peu proches les unes des autres à mon goût. 

Outre ce petit détail sur les verts, je trouve que la palette est bien équilibrée et je ne me suis jamais senti bloqué par la palette durant mes utilisations.  

Le petit plus de cette palette ? 

3 couleurs pailletées, qui apportent de la joie et de la texture à vos dessins ;). 

Le stress-test de la peinture de Kuretake

Le comportement de l’aquarelle Gansai Tambi

Comme je te l’expliquais en introduction de cet article, l’aquarelle Gansai qui est de l’aquarelle japonaise, à tendance à se rapprocher de la gouache. 

Son côté gouache permet de conserver la vivacité des pigments, faisant de cette aquarelle une peinture très punchy!

Cela la rend aussi plus épaisse que les pisse-mémés européens. 

Elle est également plus crémeuse, ce qui la rend très agréable à mélanger et à appliquer.

En revanche, comme tout nouveau matos, sa densité différente va te demander un temps d’adaptation pour bien gérer l’application sur feuille. 

Rien d’insurmontable en somme ;). 

Et le dépôt, on en parle? 

Pour savoir si une aquarelle est poreuse et laisse du dépôt, il y a un test très simple que tu peux faire pour le savoir. 

Il s’agit de tracer une bande noir d’un ou deux centimètres et d’étaler la peinture par dessus pour voir si en séchant il y a du dépot ou non. 

Comme je viens de te le dire cette aquarelle est plus épaisse, et par conséquent laisse un dépôt plus important que de l’aquarelle que l’on a en occident. 

Cela se traduit par des traces sur la ligne précédemment tracée.

Certaines couleurs comme l’ochre et le jaune sont plus visible que d’autres, les bleus par exemples.  

Est-ce vraiment problématique en utilisation réelle? 

Clairement, non. 

La plupart des dessinateurs utilisent des feutres noirs pour encrer leurs dessins. 

Le noir est une couleur (ce n’est pas une couleur) très pigmentée de base, donc dépôt ou pas, il reste visible en toutes circonstances. 

Si j’en parle c’est parce que je pense que cela peut être problématique pour ceux qui utilisent du Sépia ou du Bordeaux pour leur encrage. 

La minorité quoi. 

Si je te dilue, tu réagis comment?

Dans la continuité du test précédent, j’ai décidé d’étirer la couleur afin de te montrer ce à quoi elle ressemble une fois que tu la dilue dans de l’eau. 

Et force est de constater que même une fois diluées, les pigments restent très présents et très puissants. 

Et ça, j’adore!

 C’est une aquarelle qui se dilue assez bien, elle demande simplement une plus grande quantité d’eau que usuel.

Conclusion

C’est donc l’heure de la conclusion, qui se voudra très rapide….

… car je ne peux que te la recommander.

 Malgré le fait que les recharges soient compliquées à trouver, fonces sur cette aquarelle!

Quasi tous mes dessins récents ont été réalisés avec cette palette, notamment ceux de la formation sur les bêtes mythiques. 

L’état de la palette prouve qu’elle est utilisée et c’est toujours avec plaisir que je la sort pour réaliser une petite mise en couleur de mes dessins. 

Si tu aimes les couleurs punchies et saturées, alors tu vas adorer cette aquarelle atypique! 

Pour les dessins qui commencent à être un peu âgés, l’aquarelle se tient bien, et je pense que sa pigmentation donne au dessin une couleur très voyante.

Ce qui est appréciable quand tu vends les originaux. 

Je pense qu’elle ferait un bon compagnon pour un semi-pro ou un pro. 

Je conseil à 200%.

Et si tu prévois de te déplacer en emportant ton aquarelle, alors comme d’habitude, je te conseil de prendre avec toi, 24 couleurs. 

Lien vers l’aquarelle Gansai Tambi 24 couleurs : https://amzn.to/3uQvjji 

Lien vers l’aquarelle Gansai Tambi 36 couleurs : https://amzn.to/3v0Pzia 

Lien vers l’aquarelle Gansai Tambi 48 couleurs : https://amzn.to/3cmyQPU 

Et sur ce, on se retrouve dans le prochain article! 

La bise, 

Prends soin de toi. 

Pour aller plus loin :

J’ai créer une formation sur le thème des fleurs Japonaises.

Le but est simple : t’apprendre en profondeur chaque fleurs pour que tu arrives à les dessiner sans modèle.

Au programme : La Pivoine, le Chrysanthème, le Lotus, l’Œillet et la Fleur de Cerisier.

Je reçois ma formation gratuite!

L’article Test de l’aquarelle Gansai Tambi : une peinture japonaise de compétition? est apparu en premier sur Miennu.