Salut à toi, la forme? 

Pour rappel, cet article est le troisième d’une série sur l’histoire de l’Irezumi. 

Tu peux retrouver ici : la partie 1 et la partie 2.

L’évolution de l’Irezumi du 17ème siècle au 21ème siècle

Pour connecter les points entre le shogunate du 17ème siècle et le 21ème siècle, faisons un tour d’horizon rapide sur ce qu’il s’est passé durant ces 400 années. 

Malgré la prohibition et la dictature, le tatouage commencera à fleurir sur l’archipel.

Soutenu par l’explosion de l’art nippon. 

Le marché de masse de l’art rend les œuvres accessibles au grand public.

Cette ère signe l’avènement de l’impression sur bloc de bois, servant à faire les estampes. 

Le Japon développe, à cette période, un renouveau dans son art et gagne en raffinement. 

Le courant Ukiyo-e en est l’illustration la plus parlante. 

Je te mets juste en dessous l’image de ce qui est, je pense, l’estampe la plus connue au monde. 

La grande Vague de Kanagawa, du grand maître Hokusai. 

Magnifique.

Le niveau de dessin gagnant en qualité, le niveau de tatouage en fera de même.

Petit à petit s’esquisse le style graphique de l’Irezumi tel qu’on le connaît aujourd’hui.

Il est important de noter qu’à cette époque est traduit un livre chinois extrêmement important pour l’histoire de l’Irezumi. 

La roue tourne pour l’Irezumi grâce au Suikoden

Le Suikoden. (Au bord de l’eau en Français, de Utagawa Kuniyoshi.)

Il relate d’un ton épique les exploits de cent huit bandits, révoltés contre la corruption du gouvernement et des hauts fonctionnaires de la cour de l’empereur.

Ce livre résonnera très fort avec la population japonaise oppressée par le shogunate. 

Comme tu peux le voir sur l’image du milieu, une partie de ces brigands est fortement tatouée. 

Le livre étant un franc succès, les tatouages redeviennent à la mode chez la jeune génération en soif de liberté.

A partir de ce moment-là, l’intérêt pour l’Irezumi n’a cessé de croître jusqu’à nos jours, malgré la prohibition. 

A la fin du 19ème siècle des étrangers viennent se faire tatouer chez les plus grands maîtres tatoueurs. 

Et pas seulement des marins ou des voyageurs errants. 

On parle de grandes pontes royales. 

Comme le roi anglais Edward VII et ses fils par la suite qui se feront également tatouer des dragons sur le bras. 

Au grand désarroi de la classe dirigeante japonaise…

… Incapable de comprendre pourquoi des personnes d’une telle importance s’adonnaient à une pratique de plébéien. 

Malgré tout, la prohibition reste en place jusqu’à l’occupation Américaine.

L’occupation Américaine

Le changement de mentalité s’amorce doucement suite à la demande d’un officier Américain pour assouplir la législation sur le sujet.

Les marins avaient pour habitude de se faire tatouer des flash lors de leur visite dans d’autres pays. 

Et l’art japonais semblait fortement attirer les occidentaux. 

Le gouvernement japonais cède et rend le tatouage de nouveau légal. 

À la condition près qu’il refusera de donner un statut légal aux tatoueurs.

Les laissant encore une fois dans une zone grise, qui bien sûr profitera à la mafia. 

Et ce, jusqu’en 2020, ou l’État japonais a enfin reconnu la profession.

Lui accordant ENFIN un statut juridique. 

Malgré des avancées, les stigmatisations perdures

Malgré tout, la stigmatisation sur les tatouages continue à l’heure actuelle. 

Certains endroits sont interdits aux personnes tatouées. 

Même pour un étranger.

Les bains publics, certaines plages ou encore les Onsens (sources thermales) par exemple, affichent des pancartes assez explicites. 

Je te mets une image juste en dessous.

Certains jobs peuvent également être inaccessibles aux personnes tatouées. 

Par exemple, présentateur à la télé ou modèle.

Mais il y a plus embêtant dans la vie quotidienne, comme certains appartement qui sont interdis aux personnes tatouées. 

Sur les fiches de renseignements personnels, il y a une ligne pour demander si les personnes sont tatouées ou non.

Si ça c’est pas de la stigmatisation, je ne sais pas ce que c’est.

Fort heureusement les choses s’améliorent doucement et les mentalités changent avec l’arrivée des nouvelles générations. 

Même si encore en 2021, bon nombre de japonais décident de ne pas se faire tatouer car ils ont conscience qu’être tatoué, c’est choisir un style de vie différent. 

Fort heureusement, que ce soit en occident ou en asie, beaucoup d’amoureux de cet art ancestral continuent d’oser se faire tatouer afin de faire vivre la tradition…

…

Enfin… tradition…

Le passage du temps emporte tout, même les méthodes les plus traditionnelles.

Au tout début de cette série je t’ai dit que ‘Irezumi’ était le nom donné en occident au tatouage traditionnel japonais. 

Mais soyons honnête, on ne peut plus appeler ça “traditionnel”. 

Et comme dit l’idiome : “On arrête pas le changement”. 

Le passage du temps engouffre tout…

… même les méthodes les plus traditionnelles et conservatrices. 

Voilà à quoi ressemblait une séance traditionnellement, même si je pense que les deux posent pour la photo. 

Qu’importe, cela te donne une idée. 

Très souvent le client était allongé sur une petite couchette avec un futon et un traversin, pas à même le tatami. 

Le tatoueur procédait ainsi à l’insertion de l’encre sous la peau en utilisant un outil appelé le ‘Tebori’ (voir article précédent).

L’essence même de l’Irezumi; le rouge et le noir

A la base, il n’y avait que deux couleurs dans l’Irezumi. 

A savoir le noir, qui était obtenu en utilisant comme ingrédient de base des cendres de bois de pins. 

C’est une encre qui est encore utilisé aujourd’hui en calligraphie pour sa pigmentation de noir intense; l’encre Nara. 

J’ai pas encore eu l’occasion de mettre la main dessus, mais dès que je peux m’en procurer j’en ferai une vidéo de test, parce que l’encre est incroyable. 

J’en ai pas encore trop parlé sur ma chaine, mais je suis un fan d’encre de chine. 

C’est pour moi le plus beau noir qui existe. 

Aucun feutre n’arrivera jamais à la cheville de l’encre de Chine. 

Bref, je digresse. 

La seconde couleur de base est le rouge, qui est associé au soleil sur l’archipel. 

Au Japon, les enfants colorient le soleil en rouge dans leurs dessins, pas en orange ou jauna comme chez nous. 

C’est une couleur qui a une importance cruciale dans l’Irezumi. 

Si tu vas voir des photos d’Irezumi, tu vas très vite te rendre compte de la prévalence du rouge et du noir dans cette discipline. 

Bien évidemment, toutes les nuances de ces couleurs étaient utilisées pour pouvoir complexifier le tatouage.  

L’arrivé d’encre de tatouage de différentes couleurs

Autour du 18ème siècle, des couleurs supplémentaires sont venues s’ajouter à la palette des tatoueurs, à l’ère Meiji (1868-1912).

Le bleu-vert, le jaune et le blanc font leur apparition. 

Le jaune sera dès lors rattaché à la terre et à la religion, plus précisément au bouddhisme. 

Le blanc, lui, sera utilisé avec parcimonie pour faire les yeux des dragons et autres créatures. 

C’est encore le cas aujourd’hui. 

Puis, à la fin du 20ème siècle, les produits de synthèses permettent de créer des nuances qui ne sont pas faisables naturellement, comme le orange et le violet. 

Ces couleurs n’existaient pas traditionnellement dans l’Irezumi mais se sont installées tout de même, permettant au style de se réinventer. 

Rien que pour ça, l’Irezumi ‘traditionnel’ n’existe plus en tant que tel. 

Le style graphique lui a demeuré, avec une appropriation propre à chaque tatoueur. 

Surtout avec l’arrivée du dermographe qui a permis aux tatoueurs de créer des œuvres plus complexes, plus rapidement et plus précisément. 

D’ailleurs le Tebori n’y aura pas résisté. 

Seule une poignée d’amoureux de cet art ancestral continue de le pratiquer. 

Et bien que l’Irezumi ne soit plus aussi traditionnel qu’il le fût, il reste malgré un art absolument fascinant. 

Les sujets, les couleurs, les postures, le dynamisme présent dans le tatouage et les fonds qui permettent de faire ressortir le sujet du tatouage. 

Les fonds sont une des raisons de l’impression de mouvement dans les compositions. 

Ils sont également à l’origine de l’effet de contraste qui permet de faire ressortir le sujet. 

Et cela nécessiterait une suite d’articles entière. 

Chose que j’ai faite dans une série de mails, envoyée aux abonnés de ma newsletter. 

Pour ne pas rater les prochaines séries d’e-mail secrètes, c’est par ici pour s’inscrire! 

Allez, on se retrouve dans le prochain article! 

La bise,

Miennu.

L’article L’histoire de l’Irezumi : Un choix de vie est apparu en premier sur Miennu.

PARTIE 2/3

Salut à toi, la forme?

Dans l’article précédent, je t’ai laissé sur le Shogunate, un système féodal et militaire. 

Le système féodal du Shogunate

Pour que tu comprennes à quel point la société était fracturée, je te mets la photo d’une pyramide juste en dessous avec les différents niveaux. 

Je vais te traduire la pyramide de haut en bas étant donné que je n’ai pas trouvé l’équivalent en français. 

l’Empereur : Figure de prou sans pouvoir politique réel. 

Le Shogun : Leader militaire qui détenait le pouvoir et gouvernait le japon

Les Daimyos : Seigneurs nobles qui détenaient les terres et rémunèraient les Samurais qui assuraient l’ordre. 

Les Samurais : Soldats nobles, payés par les Daimyo pour assurer l’ordre et la protection. Ils avaient, en temps de paix, un rôle de gestion de la population et d’éducation. 

Les Ronins : Des samouraïs ayant perdu leur seigneur.
Ils leur étaient impossible de trouver de nouveau contrat à cause des lois du Shogunate.

Sans emploi, ils devenaient souvent des mercenaires ou des brigands. 

Les paysans (90% de la population) : C’était la classe des fermiers et des pêcheurs. 

Les artisans.

Les marchands : les marchands étaient en bas de la hiérarchie sociale car, selon Confucius, ils ne produisaient rien, ni ne protégeaient personne.

Ils avaient juste de l’argent, ce qui dans une société confucéenne n’avait aucune valeur.

Bon, voilà pour la théorie. 

Je pense que tu comprends mieux à quel point cela était compliqué entre les différentes classes. 

Pas très flex’ comme système. 

Et pour bien verrouiller tout le système le Shogunate à ré-instaurer les tatouages punitifs. 

Le retour des tatouages punitifs!

Comme pour dire à la population : “ fais quelque chose de mal, et tout le monde le saura.”

Hey, mais c’est pas une façon de faire de dictature ça? 

Ah bah si. 

Et comme dans toutes les dictatures, 90% de la population crevaient la dalle. 

Petite question pour toi : qu’est-ce qu’il se passe lorsque la population n’a plus d’argent pour acheter de quoi se nourrir de façon conventionnelle?

Facile comme question. 

Le marché noir se développe. 

La pègre s’installe.

Vols, prostitution, racket ect…

Après tout, les gens ont besoin de manger.

Et c’est là qu’arrivent nos Yakuzas. 

Comme ils trainaient dans des choses pas jolies jolies, ils se retrouvaient souvent tatoués. 

Ce qui voulait dire qu’il était compliqué pour eux d’avoir une vie normale. 

Imagines maintenant, une personne tatouée de la tête au pied. 

Avec des dragons à l’expression perçante qui s’enroulent autour des muscles de ses bras. 

Avec un tigre dans le dos, se tenant fièrement sur un rocher, rugissant de toute sa puissance pendant que la tempête s’engouffre autour de lui. 

Ce sont des tatouages plus difficiles à masquer. 

L’Irezumi, symbole de virilité

Autant te dire qu’avoir ce type de tatouage dans une société féodal où le tatouage est interdit, c’est ouvertement crier : 

“Je suis un hors-la-loi, et je ne reviendrai jamais dans votre société ruinée.”

L’irezumi était une façon de montrer qu’on était un vrai gangster. 

Un dur.

Un vrai de vrai. 

Parce qu’il fallait un sacré courage à l’époque pour se faire tatouer. 

Entre la douleur de passer des heures à se faire piquer au tebori.

Le risque de se faire fouetter si tu te faisais attraper. 

Pas très marrant de porter de l’Irezumi à l’époque, non?

(ça ressemble à ça un tebori)

Et le risque d’intoxication lié aux encres, qui étaient faites de façon disons…

… limites. 

Des normes sanitaires un peu bancales

Les normes sanitaires, ils ne connaissaient pas trop à l’époque. 

Pour te donner une idée du bordel, certaines utilisaient du Vitriol (sulfate de fer). 

C’est juste le minerai de base pour faire de l’acide sulfurique. 

Cela donnait des fièvres et des éruptions cutanées pas super agréables. 

Et comme les hommes de l’époque étaient des hommes simples, ils se sont dit : 

“Tiens quelque chose de marrant pour montrer qui à la plus grosse”. 

Et c’est comme ça qu’est née la pratique des grosses pièces au Japon.. 

Tu t’attendais à quelque chose de plus incroyable? 

Eh bah non! C’était juste un concours de quéquette!

Et quand t’es un homme fort, c’est le genre de jeu que tu kiffes. 

Ce qui explique pourquoi les Yakuzas sont connus dans l’imaginaire collectif comme étant ultra tatoués. 

Il y a une autre explication au lien fort entre tatouage et mafia. 

L’irezumi, un jeu dangereux

Le tatouage étant illégal, il était dangereux de se faire tatouer, et seule la mafia avait suffisamment de pouvoir pour protéger les tatoueurs. 

Entre le risque et la population appauvrie, c’est donc assez logiquement que la mafia est devenue la principale employeur des tatoueurs.

Malgré tout, il y a n’y avait pas que les Yakuzas avec des pièces conséquentes. 

Les charpentiers ou encore les pompiers en avaient afin d’être protéger pendant leur travail grâce aux dieux/déesses qui ornaient leurs peaux. 

De manière générale, on peut dire que le Shogunate n’aura pas réussi son objectif de tuer à jamais l’Irezumi. 

Il l’a tout de même bien mis à mal. 

Entre violence et stigmatisation. 

Stigmatisation qui perdure encore aujourd’hui au Japon. 

Même en 2021, avoir des tatouages au Japon, c’est faire le choix d’un certain style de vie. 

Style de vie dont on parlera dans le prochain article, la semaine prochaine.

La bise.

Miennu.

L’article L’histoire de l’Irezumi : une histoire sulfureuse est apparu en premier sur Miennu.

PARTIE 1/3

Salut à toi, j’espère que tu as la forme? 

En tous cas, de mon côté, je suis super content de te faire cette série d’articles à venir.

Ça va être instructif et passionnant. 

Pour rappel, dans ces articles on parlera de l’Irezumi en générale, ses origines, sa place dans la culture, sa réputation sulfureuse et les thèmes principaux de cette discipline. 

Cette série est une série secrète de mails que j’ai envoyé par le passé aux personnes abonnées à ma newsletter. 

Pense à t’abonner pour recevoir les prochaines séries de mails!

Allez, c’est parti!

La signification du mot Irezumi

On va donc commencer par parler de la signification du mot ‘Irezumi’. 

L’irezumi, qui est le tatouage traditionnel Japonais, est particulièrement connu pour être présent dans la mafia japonaise, chez les yakuzas. 

C’est un peu triste à dire, mais si cet art est encore en vie, c’est ‘grâce’ à la mafia.

En occident, ce terme réfère spécifiquement aux tatouages japonais et son style graphique très particulier.

Au japon, c’est un terme plus large qui peut référer à plusieurs choses. 

La signification littérale de ce terme est le fait d’ “insérer de l’encre (sous la peau)”. 

Mais pour comprendre l’implication de ce mot il faut contextualiser un peu plus que la traduction littérale. 

Ce qu’était l’Irezumi à la base

‘Irezumi’ était le nom donné aux tatouages punitifs utilisés pour marquer les personnes ayant commis des crimes, et ce à partir du 5ème siècle après J.C. 

C’était également le terme qui était utilisé pour parler des tatouages qui servaient à sceller un pacte entre deux personnes. 

Il peut aussi simplement désigner les tatouages faits de plein gré ou encore le tatouage en lui-même. 

Pour rentrer un peu dans le détail, à la place du mot ‘Irezumi’ le terme ‘Horimono’ est souvent utilisé pour désigner la pratique traditionnelle du tatouage. 

Ce terme signifie littéralement “ornement gravé sur le corps”, c’est le même terme qui est utilisé pour les ornements des épées. 

‘Horimono’ sert généralement à décrire un full-body, c’est-à-dire un corps (presque) entièrement tatoué. 

Une connotation devenue négative

Il faut tout de même noter que le terme ‘Irezumi’ a pris une connotation très négative avec le temps, à cause des Yakuzas.

Horimono à l’inverse est associé à l’art et jouit d’une image positive…

… Bien qu’il décrive la même chose qu’Irezumi. 

Pourtant ça n’a pas toujours été le cas, il y a eu des périodes dans l’histoire japonaise ou les tatouages étaient en forte demande et même à la mode. 

Au point que des princes étrangers venaient jusqu’au Japon pour se faire tatouer. 

On va maintenant parler des différentes périodes de tensions et de regain d’affections au cours de l’histoire japonaise. 

Histoire durant laquelle le tatouage a toujours eu une relation conflictuelle avec les autorités voulant imposer leur bien pensance et le formatage de leur population. 

“Voleur” tatoué en gros sur le front

Irezumi-kei. 

C’est son petit nom, au tatouage punitif. 

Et franchement, t’as pas envie d’en avoir un. 

On est loin du tatouage sexy. 

Très loin… 

On en reparle plus bas dans cet article, je te mettrai une photo qui illustre ce à quoi ça pouvait ressembler à l’époque. 

Mais d’abord parlons du commencement. 

Le tatouage japonais : Au commencement

Le tatouage au Japon est présent sur l’archipel,  au moins depuis le 3ème siècle après J.C. 

Je dis ‘au moins’ car il se pourrait même que les premier tatouage remontent jusqu’à -10 000 avant J.C. 

Les archéologistes ont retrouvé des statues de terre cuite avec des marquages sur le visage. 

Mais seulement après analyse…

… il a été révélé que ce n’était pas un marquage réalisé avec une technique de peinture mais avec une technique de tatouage!

Cette révélation nous laisse imaginer assez facilement que le tatouage est plus ancien que le 3ème siècle. 

Bon, les experts ne sont pas forcément d’accord la dessus, donc on ne va pas épiloguer ;). 

Revenons à la période du 3ème siècle après J.C, à ce moment-là, les tatouages étaient assez répandus. 

Ils servaient à départager les individus suivant leurs rangs dans la société. 

Ils étaient également utilisés comme une sorte de charme porte bonheur, notamment pour les pêcheurs de coquillages (métier très dangereux), afin de les protéger des créatures marines. 

Jusque là, c’était une utilisation classique.

Mais à partir du 5ème siècle, le vent tourne et la tempête souffle sur le tatouage

Les choses changent radicalement. 

Et pas pour le meilleur…

L’influence de la Chine sur la culture de Japon et de l’Irezumi

C’est à cette époque là, que la Chine a commencé à fortement influencer le Japon.

En important son système d’écriture, mais également les différents contes et mythes. 

Comme par exemple le phénix japonais ‘Hō-ō’ (comme le pokémon) qui est tiré directement du mythe chinois de ‘Fenghuang’. 

Ces importations ont bien aidé à développer la culture chez un peuple qui n’avait même pas de langage écrit. 

On peut donc se dire que l’expansion des arts aurait dû permettre à l’Irezumi de prendre un nouveau souffle et de se développer, non?

Eh bien, non non non.

Pour deux raisons. 

La première, très pratico-pratique,  c’est qu’en Chine le tatouage était utilisé pour marquer les esclaves et les personnes ayant commis des crimes. 

Afin que tout le monde le remarque bien.

C’est plutôt une bonne idée pour ostraciser les gens, tu ne trouves pas? 

Et la seconde, plus philosophique, c’est que d’après la philosophie Confucianiste, il ne faut pas dégrader le corps que nous ont donné nos parents. 

Se faire un marquage permanent était donc considéré comme un bafouement du respect que l’on doit à ses géniteurs.

Bien entendu, les classes au pouvoir étaient éduquées suivant cette philosophie. 

Méprisant par conséquent les basses classes pour cette pratique. 

Si tu ne sais pas qui est Confucius, je t’invite à aller te renseigner car il est considéré comme l’un des philosophes les plus influents de l’histoire.

2500 ans après sa mort, ses doctrines ont encore de l’influence, c’est dire… .

Les Japonais ont donc commencés à faire comme les chinois, et l’âge noir de l’Irezumi commença. 

La descente aux enfers de l’Irezumi

Je t’avais promis une petite photo, regarde à quoi ça pouvait ressembler au Japon. 

Quand je te disais que ce n’était pas des plus sexy…

Ni passe partout d’ailleurs.

Tu t’imagines toi, te balader avec un “voleur” marqué en gros sur le front?

Ce genre de tatouage punitif restera en vigueur du 5ème siècle jusqu’au 12ème siècle environ. 

S’ensuit une période de paix, plus propices aux tatouages jusqu’au coup d’État du Shogunate Tokugawa au 17ème siècle. 

Ce gouvernement féodal et militaire va ré-instaurer des règles strictes et prohiber le tatouage. 

Son but? 

Tenir sa population dans une société hautement stratifiée et isolée du monde. 

L’heure de la prohibition venait de commencer. 

C’est à partir de ce tournant dans l’histoire Japonaise que les Yakuzas vont s’emparer petit à petit de ce symbole. 

Et que l’Irezumi écopera d’une très mauvaise réputation au sein du peuple…

…Et ce,  jusqu’à nos jours. 

C’est tout pour cet article qui est bien assez long ! 

On se retrouve la semaine prochaine pour parler plus en détail des raisons qui ont fait que Yakuzas et Irezumi se sont liés par le sang et de l’évolution de l’Irezumi sous la prohibition.

La bise. 

Miennu. 

L’article L’histoire de l’Irezumi : un art rebelle est apparu en premier sur Miennu.

On va parler de mindset artistique dans cet article. 

Je sais, je sais, moi non plus j’aime pas trop utiliser ce mot à la mode, mais je n’en ai pas de plus parlant sous la main. 

Et ce problème de mindset, il est très rampant chez les artistes. 

Surtout chez les dessinateurs. 

Le problème? 

Ils restent cloîtrés chez eux à pratiquer leur art dans leur coin!

A de rares exceptions près, quand ils vont en convention ou autres.

Je trouve ça vraiment dommage qu’ils ne voyagent pas plus…

Avant de rentrer dans le vif du sujet, tiens une petite photo de mon dernier voyage, à Malaga ;). 

Tu peux retrouver cet article au format vidéo ici : CLIQUE

Rester chez toi ne joue pas en ta faveur

Est-ce vraiment un problème de rester enfermé chez soi?

En soi, non, ce n’est pas vraiment un problème.

L’important, c’est d’être bien et d’être heureux.

Par contre, sur le plan artistique, rester chez toi ne joue pas en ta faveur. 

Surtout si tu as l’ambition de vouloir en vivre. 

Mais pourquoi donc? 

Avant de répondre à cette question, laisse moi te parler un peu de ce qu’est le processus créatif de manière générale. 

Ce processus, pour faire très simple, se passe en 3 étapes. 

Je te mets le schéma en premier et je t’explique juste en dessous ce dont il est question. 

1. En premier, l’artiste reçoit une certaine quantité d’information du monde, le bien, le mauvais, le triste, le joyeux, la haine, la colère, diverses influences artistiques etc…
   
   La quantité d’information varie d’un artiste à un autre. Suivant ce qu’il est capable d’encaisser et surtout de traiter.
   
   Cela s’appelle recevoir un Input.
   
2. Dans un second temps, l’artiste se retrouve dans une position où il a plein de données brutes.
   
   Il va donc devoir en faire quelque chose de ces informations.
   
   Par conséquent, il va doucement les digérer, les traiter.
   
   Ces données vont passer par le prisme de la sensibilité de l’artiste, à savoir par ses sentiments, ses valeurs, ses croyances, son éducation, ses expériences ect…
   
   Ce processus peut prendre de quelques minutes à plusieurs années. Cela dépendra de la sensibilité de la personne et de la force de l’input.
   
   Cette phase est la phase de traitement des données (process).
   
3. Viens ensuite la troisième phase, celle où l’artiste va ressortir à la face du monde l’input reçu avec en supplément, ce que cet input lui à fais ressentir.
   
   Une fois cette phase finie, une nouvelle création vient d’être mise au monde. 

Cela s’appelle l’output. 

La puissance du processus créatif

Bien évidemment, on pourrait rentrer encore plus dans les détails, mais j’essaie de rester simple pour que ce soit digeste. 

Ce processus créatif, c’est quelque chose de puissant. 

Il transforme des images, des sons, des odeurs, des sensations en œuvres d’arts. 

Je pousserai même jusqu’à dire que ce processus est la raison même de l’existence de l’artiste. 

Sans ce besoin de ressortir toutes les émotions et informations que nous incorporons au quotidien, l’artiste n’existerait pas. 

Mais du coup, quel lien avec le voyage? 

Sachant maintenant que le processus créatif est à la base de ta capacité à créer des œuvres d’arts, on peut supposer que plus l’input sera fort, plus l’output le sera. 

Etant donné que le flux d’émotions et d’informations à traiter sera plus élevé, il faudra en ressortir tout autant pour réussir à retourner à un niveau 0.

Prenons un exemple, un chanteur perd l’amour de sa vie devant ses yeux dans un accident de voiture. 

Il y a fort à parier qu’au milieu de son désespoir, il va écrire la plus belle chanson de sa carrière. 

Plus l’input est fort, plus l’artiste va en ressortir quelque chose de puissant. Que ce soit positif ou négatif. 

L’input n’est pas forcément négatif, si tu rencontres l’amour de ta vie, alors ta joie sera un input positif.

Et c’est là que le voyage intervient. 

Le voyage, un générateur d’input

As-tu déjà voyagé dans un pays ou tu ne parlais pas la langue? 

As-tu déjà voyagé seul(e) avec un sac à dos? 

Si c’est le cas, tu sais probablement qu’il n’y a rien de tel que le voyage pour t’envoyer un max d’input (positifs et négatifs). 

Rien d’étonnant en soi. 

Quand tu voyages : 

• Tu sors de ta zone de confort, c’est donc anxiogène mais aussi très gratifiant de réussir à se sortir de situations problématiques à l’étranger.
  
• Tu rencontres une foule de gens qui peuvent t’apporter des idées, des valeurs, une vision de la vie différentes. Ça te nourrit.
  
• Tu découvres des pays, des sons, des odeurs que tu n’as pas dans ton pays d’origine. Cela stimule fortement les sens et donc l’imagination. 

Toutes ces raisons font que lorsque tu voyages, tu te places dans une situation d’insécurité mais surtout d’ouverture face au monde. 

Ce qui te permet de recevoir les inputs du monde de façon plus intense et ainsi pouvoir les ressortir de façon plus intense également. 

Dans mon cas, les plus belles chansons que j’ai écrites étaient exclusivement à l’étranger.

Idem pour mes idées de projets, c’est toujours à l’étranger que j’ai trouvé les meilleures idées. 

Et je ne suis pas le seul, j’en ai déjà discuté avec d’autres artistes qui m’ont fait part de cette tendance à avoir un dynamisme dans les idées bien plus important. 

 Voilà pour l’explication de ce que tu rates à rester cloitré chez toi! 

Voyage, va voir le monde et les gens! 

Tu verras le nombre d’opportunités qui s’ouvrent à toi de cette façon :).

J’avais prévu de faire une partie supplémentaire sur le matériel que tu peux utiliser pour être nomade, mais cet article est déjà suffisamment long (+900 mots). 

On en parlera donc une prochaine fois ;). 

(si tu es impatient, tu peux déjà lire mon article sur le matos que j’utilise, qui est pensé pour être nomade.)

Je te laisse avec une dernière photo de Malaga.

La bise. 

Miennu.

Pour aller plus loin :

J’ai créer une formation sur le thème des fleurs Japonaises.

Le but est simple : t’apprendre en profondeur chaque fleurs pour que tu arrives à les dessiner sans modèle.

Au programme : La Pivoine, le Chrysanthème, le Lotus, l’Œillet et la Fleur de Cerisier.

Je reçois ma formation gratuite!

L’article Tous les dessinateurs passent à côté de quelque chose d’énorme! est apparu en premier sur Miennu.

Y’a des sujets comme ça chez les artistes qui rendent les gens désagréables.

Je pense notamment aux personnes qui ont le culot de dire qu’un ‘vrai artiste’ ne doit pas prendre de références et doit tout faire de tête. 

Il y a également ceux qui pensent (et crient sur tous les toits) que le dessin digital n’est pas réellement du dessin etc…

Et il y en a un qui énerve encore plus les gens, ça les rend vraiment dingue, c’est le tracing. 

Alors le tracing c’est le terme anglais pour désigner le décalquage, le fait de décalquer, des dessins, des photos, des motifs…

Eheh, je sens la rage monter parce que je ne vais pas avoir un avis très populaire sur ce sujet, je pense.

Donc ce qu’on va essayer de faire dans cet article, c’est de répondre à la question suivante : Est-ce que décalquer c’est une bonne idée ou pas d’un point de vue artistique? 

Et si oui, comment bien utiliser cette technique, cet outil, pour éviter de tomber dans des dérives problématiques dont on va parler plus bas. 

Si tu le souhaites, tu peux retrouver cet article en format vidéo ici : CLIQUE

Le tracing, c’est quoi au juste?

Utilisation du décalquage suivant les milieux 

Bon, je vais pas te faire un cours extensif sur comment décalquer.

je pense que tout le monde sait ce que c’est que de décalquer, vous êtes pas débile quoi. 

Passons donc très rapidement sur ce sujet car ce n’est pas ce qui nous intéresse aujourd’hui. 

Ce n’est pas un tuto ;).

Globalement, ce n’est pas une technique que j’ai vu trop utilisée dans le manga ou l’illustration en générale. 

C’est une technique que j’ai découvert dans le milieu du tatouage. 

Les tatoueurs utilisent beaucoup cette technique pour la préparation des tatouages et faire leurs compositions, surtout quand elles sont complexes. 

Et plus récemment, en me renseignant sur l’animation 2D, j’ai appris que c’était une technique très répandue dans ce domaine comme l’illustre la vidéo Sheila Graber : 

>> LA VIDEO

Elle utilise la technique dont on va parler au début de la vidéo, mais elle montre également le processus entier pour animer.

Très intéressant. 

Les outils nécessaire pour se servir du décalquage dans tes dessins

Pour décalquer tu as besoin de deux outils principaux:  une tablette lumineuse et une imprimante. 

Voici celle que j’utilise : 

Pour plus d’infos sur la tablette voici le lien : https://amzn.to/3goWuy1 

Il te faudra également une imprimante pour pouvoir imprimer les anciens dessins que tu auras scanné ou fait en digital. 

Bien entendu, l’imprimante tu n’es pas obligé, mais c’est pas mal si tu souhaites changer la taille de tes dessins pour les adapter à ta nouvelle composition. 

Après, précisons ici que tu ne réimprime pas les dessins à chaque fois. 

Perso, ce que je fais c’est que j’ai une pochette dans laquelle je garde tous mes dessins de bases, que je réutilise au besoin. 

Une sorte de banque d’images.

Mais dis… Comment ça marche en fait?

Et donc, pour te montrer comment ça marche, c’est très simple. 

1. Tu imprimes ton motif et tu découpes le surplus de papier.
   
   
   (image de Nicki Shinow : son Unsplash)
2. Tu passes sur ta tablette lumineuse en superposant deux feuilles.
   
   La lumière va créer un effet de transparence ce qui va te permettre de décalquer.

3. Tu as juste à faire tous les contours souhaités et le tour est joué.
   
   
   

Cela te donne au final une copie de ton dessin original. 

Maintenant que je t’ai montré comment faire, tu te doutes bien qu’il y a des avantages énormes à utiliser une telle technique. 

Les avantages de décalquer

Le gain de temps

Le premier avantage de cette technique, c’est le gain de temps. 

C’est d’ailleurs une des raisons principales pour laquelle cette technique est utilisée. 

Il faut quand même bien se dire qu’on enlève toute la partie croquis du dessin.

Donc on ne perd pas de temps à placer les éléments du dessin au bon endroit, à chercher les bonnes proportions ect… 

Ce qui peut représenter une économie de 20% du temps de dessin, sur des illustrations complexes ce n’est pas négligeable.

Un rendu ultra réaliste sans effort

Le deuxième avantage c’est d’avoir un rendu réaliste, disons, sans effort. 

Quand tu es comme moi et que le réalisme c’est pas trop ta came, et bien décalquer peut être très pratique pour donner du réalisme à ton illustration. 

Parce qu’après tout, il n’y a rien de plus réaliste que la réalité.

Et là, je pense que certains doivent grincer des dents derrière leur écrans.

Et probablement gueuler en disant : “mais en quoi c’est un avantage mec? Tu obtiens un bon résultat sans fournir aucun effort. 

Autant te dire que tu ne progresses pas sur le plan artistique!” 

Et… c’est plutôt vrai, mais on va revenir dessus dans la partie juste après, sur les inconvénients de cette technique. 

Donc maintenant laisse moi t’expliquer pourquoi je considère que le fait que ça ne demande pas d’effort soit un avantage ici. 

On a tous un temps et une attention qui est limité, je pense que je ne t’apprends rien la. 

Et contrairement à ce que semblent penser une bonne partie des gens, créer est une tâche qui est extrêmement exigeante cognitivement. 

Donc quand tu as conscience de ces deux éléments, pourquoi faire compliqué? Pourquoi te rendre la tâche encore plus dure qu’elle ne l’ai déjà? 

Il faut bien se dire une chose : toutes les choses tâches que tu auras simplifiées seront autant de temps et d’attention que tu pourras réutiliser ailleurs dans ton processus de création. 

Comme par exemple :  travailler sur des compositions plus complexes ou inattendues. 

Travailler avec de la texture, avec du matos qui aura un rendu différent ou plus simplement avoir plus de temps pour créer des œuvres différentes. 

Donc pour toutes ces raisons, je pense profondément que c’est un avantage de pouvoir avoir un très bon rendu sans avoir à fournir un effort considérable en retour. 

Décalquer apporte de la cohérence visuelle à ton illustration

Ensuite, le troisième avantage de cette technique, c’est la cohérence visuelle.

Quand je parle de cohérence visuelle, je pense notamment aux motifs, ou aux éléments qui sont répétitifs sur les dessins. 

Par exemple, les motifs sur un kimono.

Les faire en utilisant cette technique amène une vraie cohérence visuelle car les motifs ne sont pas juste ressemblant, ce sont des copies conformes. 

Une très bonne base de travail : Décalquer c’est ouvrir la porte à la créativité

Et enfin, dernier avantage, c’est que ça permet d’avoir une très bonne base de travail. 

Notamment en te permettant de mixer des éléments auxquels tu aurais peut-être pas pensé autrement, peut-être parce que tu ne sais pas dessiner ces éléments, ou que ça ne t’étais juste pas venu à l’esprit. 

Ce qui peut t’amener une touche de créativité supplémentaire, et ça, ça ne se refuse pas ;). 

Mais tout n’est pas rose aux pays du tracing et y’a des inconvénients à cette technique, et pas des moindres non plus. 

Les inconvénients de décalquer

Le dessin est une version déformée de la réalité

Le premier inconvénient va peut être te surprendre mais c’est que le tracing dessert une des caractéristique fondamentale du dessin, qui est que le dessin est une représentation déformée de la réalité. 

Et souvent ce qui se passe quand on décalque avec cette technique, c’est que certaines parties paraissent bizarres.

En décalquant la réalité, on ne tient pas compte du fait que le dessin est une version idéalisée de la réalité. 

C’est pour ça que la nourriture en dessin à toujours l’air plus vibrante, plus dégoulinante.

Le dessin permet de jouer sur certaines caractéristiques, comme la saturation des couleurs ou la texture. 

Le tracing lui ne permets pas ça, ce qui peut amener à avoir des dessins moins impactant car ils sont trop photoréalistes.

Et si tu n’as pas une base en dessin suffisamment solide, tu risques de ne pas t’en rendre compte, ce qui va réduire drastiquement la qualité de ton illustration.  

Ce point nous amène sur le deuxième inconvénient de cette technique.

Décalquer ne te fera pas progresser en dessin

Soyons cash et honnête ici: décalquer ça ne te fait pas progresser en dessin. 

C’est le plus gros argument des détracteurs de cette technique et il faut reconnaître que c’est vrai. 

Juste avant je te disais que tu n’avais pas d’effort à fournir lorsque tu décalques ce qui te permet d’économiser des forces cognitives. 

Par contre quand tu as un niveau de dessin débutant ou semi-pro et qu’il te reste encore des bases à bien solidifier, tu as besoin de faire cet effort intellectuel pour progresser. 

Et bien entendu, décalquer ne permet pas de faire cet effort, étant donné que tu ne prends pas le temps de destructurer correctement l’élément en question. 

Après faut pas être nazillon non plus. 

Si tu as juste un élément spécifique pour une commande d’un client et que ça te prendrais 20h de taff pour maîtriser cet élément, ça vaut peut être pas le coup de te pencher dessus. (Dans le respect des droits d’auteurs.)

Mais si c’est une demande qui revient souvent, alors la, ça peut valoir le coup.

Donc voilà, tu es prévenu sur le fait que de décalquer ne te fera pas progresser en dessin.

Ce qui veut dire que sur le long terme, tu perds du temps sur le plan artistique étant donné que tu cesses de t’améliorer et que tu finis par stagner. 

Si jamais tu ne sais pas exactement quoi comprendre par les “bases de dessin” j’en ai fait un article complet que tu peux retrouver ici : CLIQUE

La problématique des droits d’auteurs

Et le dernier inconvénient, qui n’est pas des moindres, c’est la problématique des droits d’auteurs. 

Autant te dire que quand tu décalques une image, ça peut vite devenir la merde. 

Si c’est pour un usage personnel, tu vois tu t’en fout, ça fais aucun mal. 

Par contre, si tu commences à vendre tes dessins, dans ces cas là ne décalque pas. 

Parce que c’est du vol pur et dur. 

Autant les compagnies qui détiennent les droits d’auteurs sont assez laxiste sur les fan art, autant sur la copie ça ne passe pas. 

Et ça passe de moins en moins avec les algorithmes qui deviennent très performant pour détecter les vols, avec google image ou d’autres logiciels. 

Donc voilà, si tu fais une illustration dans le but d’en retirer de l’argent, je te déconseille très fortement de décalquer des personnages pour lesquels tu n’as pas les droits. 

Par contre tu peux utiliser le tracing avec tes propres dessins pour enrichir tes illustrations. 

Attends je te montre. 

Comme tu peux le voir sur ce dessin, j’ai réutiliser mes tests d’œillets, que j’ai incrusté dans une autre illustration afin de lui donner de la profondeur et de la texture. 

Et d’ailleurs, petit instant promo: 

J’ai réalisé une formation sur les fleurs japonaises qui dure plus de 2h30, dans laquelle tu apprends à dessiner la pivoine, le chrysanthème, le lotus, l’oeillet et la fleur de cerisier. 

C’est une formation qui est accessible à tout le monde gratuitement, tu peux la retrouver au lien suivant : CLIQUE

Pour la recevoir, rien de plus simple, il te suffira juste de rentrer ton mail en bas de la page et elle te sera envoyée directement dans ta boite mail. 

Conclusion – Comment bien utiliser cet outil qu’est le décalquage?

C’est l’heure de conclure cet article, et je vais le faire rapidement en te donnant 2, 3 petits conseils sur comment bien utiliser le décalquage dans ton processus de dessin. 

Mon premier conseil c’est de l’utiliser avec des motifs que tu maîtrises déjà, ou des dessins que tu ne referas probablement jamais. 

Comme par exemple un bâtiment spécifique dans une seule case de manga qu’on ne verra qu’une seule fois, autant ne pas se faire chier et le décalquer. 

Ensuite, mon second conseil, si tu souhaites faire des dessins à but lucratif c’est de t’assurer d’avoir le droit sur les images, soit en utilisant ta propre banque d’images ou en utilisant des photos libres de droits. 

Et le dernier conseil, c’est bien évidemment d’utiliser cet outil pour t’amuser et t’en servir pour pousser ton art un peu plus loin.

En détourant seulement certains éléments de photos et en mixant des éléments inattendus ensemble. 

Je te jure que c’est une pratique assez marrante à faire et ça peut donner un peu de fraîcheur à ton style graphique. 

Et voilà, c’est fini. 

La Bise.

Miennu.

L’article Décalquer : Un Outil ultra Puissant. Avantages Et Inconvénients est apparu en premier sur Miennu.

Il semblerait que les dessinateurs et les artistes en général, ne puissent être que:  soit créatif et imaginatif ou alors n’être bon qu’à recopier et subir cette condition sans jamais pouvoir inventer. 

C’est une grosse connerie. 

J’en vois passer tous les jours sur les groupes de dessin, des gens qui disent : 

‘j’ai pas d’inspiration, comment je fais pour avoir des idées?’

‘Je voudrais dessiner mais je bloque devant ma feuille blanche y’a rien qui vient, ect…’

Pourquoi certaines personnes ont, des listes de dessin à faire, plus grande que ce qu’ils pourront faire dans toute une vie et d’autres galèrent à mort?

La réponse est simple: ceux qui ont de “l’inspiration” ont des systèmes et des méthodes en place pour stimuler leur imagination. 

C’est quelque chose qui s’apprend, ce n’est pas inné d’avoir une capacité à générer des idées. 

Donc je vais te montrer au cours de cet article,  2 méthodes que j’utilise quand je suis sur le point de faire des illustrations. 

Je vais te les montrer sur papier pour que ce soit facilement compréhensible, mais à terme l’idée c’est que tu les fasses dans ta tête. 

Tu peux retrouver la version vidéo de cet article ici : CLIQUE

Stimuler ta créativité

Présentation de l’outil: La carte de brainstorming

Le premier outil que j’aimerai de te présenter, c’est le suivant, une matrice de mots clés. 

Ou aussi plus communément appelée une carte de brainstorming. 

Et ça ressemble à ça: 

Et là, tu te demandes pourquoi est-ce que je te sors ça, sur un blog de dessin?

Pour comprendre où je veux en venir , réfléchissons à ce que dessiner d’imagination est. 

Le dessin d’imagination, voilà comment est-ce que je le défini: Imaginer, visualiser, quelque chose dans sa tête à partir de ta banque personnelle d’images , qui n’existe probablement pas encore et que tu vas coucher sur le papier afin de créer quelque chose de nouveau.

C’est donc assez vague. 

Du coup, l’idée c’est de faire passer dans un entonnoir toutes les possibilités pour spécifier notre pensée et ne garder que les idées les plus intéressantes.

C’est ce qu’on va essayer de simuler avec cette carte de brainstorming. 

Mais plutôt que de stimuler l’imagination par une longue description exhaustive, comme dans un roman par exemple, on va plutôt envoyer des petits électrochocs à ton imagination. 

Ces électrochocs, ce seront les mots clés. 

Doper son imagination en utilisant une carte de brainstorming

Alors, concrètement comment est-ce qu’on va faire, et comment est-ce qu’on va utiliser cette technique?

Premièrement, on va choisir un thème. 

Et le thème gagnant est…

… Les papillons. 

Je précise que ce n’est pas moi qui ai choisi le thème, mais ma maman. 

Donc on note le papillon au milieu, ou tu fais un dessin en mode icon si tu préfères. 

Le contexte du brainstorming est aussi important que l’outil en lui-même.

Ce que je te conseille donc c’est de te poser au calme. 

Tu coupes les réseaux, tu mets ton téléphone en mode avion. 

Tu peux mettre de la musique si tu veux, mais un son prompt à la réflexion, comme par exemple de la Lo-Fi, du Mozart ou des musiques de méditation. 

Et tu te mets un compte à rebours, disons 10 minutes, c’est généralement suffisant.

Pourquoi 10 minutes? parce que même si tu n’as qu’une idée par minute, ça te fait déjà 10 mots clés. 

Ce que tu fais ensuite c’est de tirer un trait et d’écrire dans une bulle chaque nouvelle idée que tu as, en rapport avec le thème. 

Du coup, voici le résultat du brainstorming : 

Ailes 

Motifs

Coloré

Insectes

Grâce

Butiner 

Liberté

S’envoler au gré du vent

Être chassé par les enfants

L’innocence de poursuivre un papillon

Papillonner

Légèreté 

Beauté 

Ailes déchirées

Fragilité car un papillon, c’est tout fin et ça ne vit qu’une saison

Ephémère 

Papillon de nuit suicidaire qui se sacrifie sur la lumière

Et voilà ce que ça donne sur la feuille: 

Pour information, j’avais encore 4 minutes restantes sur mon chrono, mais j’ai décidé de m’arrêter là, la feuille étant suffisamment remplie à mon goût. 

Donc maintenant ce que tu vas faire c’est de sélectionner ceux qui t’inspirent le plus sur le moment.

Disons entre 5 et 10 mots clés max.

L’avantage de cette technique 

Ce que j’adore avec cette technique, c’est que tu peux la faire dix fois de suite, 10 fois tu auras des résultats différents étant donné qu’à chaque fois tu auras une humeur différente et une sensibilité différentes. 

Ici on va partir sur : Ailes, coloré, liberté, être chassé par les enfants et la fragilité. 

Comment être plus imaginatif ? Utiliser le what if

Le what…quoi? 

Intéressons-nous maintenant à la 2e technique, j’ai nommé : le ‘What if…?’ 

Désolé pour l’anglicisme, c’est quelque chose que je faisais inconsciemment mais qui m’a été mis en lumière en regardant un cours sur le storytelling fait pas les personnes qui travaillent chez Pixar. 

C’est super intéressant, mais c’est en anglais. 

Si tu parles anglais, je te mets le lien du cours juste ici : CLIQUE 

D’ou l’anglicisme…

Du coup, le ‘What if..’, tu peux le traduire par ‘Et si…’ 

L’idée c’est de se poser la question: ‘Et s’ il se passait ça?’ 

Encore une fois, le but c’est de pousser l’imagination et d’essayer de visualiser le plus précisément possible la scène qui est en train de se dérouler dans notre imagination. 

Et de pouvoir la représenter efficacement sur notre composition fixe en 2D.

Développer son imagination  

Ce qu’on va donc faire c’est de reprendre la feuille et les mots clés choisis. 

Tu vas te servir de ces mots clés pour rédiger des ‘Et si…’, disons entre 5 et 10 possibilités. 

Par contre il faut que l’idée tienne en une phrase, le but n’étant pas de préparer un roman. 

Je t’invites à remettre un timer de 10 minutes comme pour la première partie de cet article. 

Je sais. 

Je te vois venir…

…‘Encore un timer ?!’

Si j’aime autant les timers c’est pour deux raisons :

1. Être plus rapide. 

Nous avons un réflexe en tant qu’humain, c’est de toujours utiliser le temps qui nous est imparti pour réaliser une tâche. 

Ce qui veut dire que si tu ne te mets pas de timer, tu peux prendre toute l’après-midi à simplement réfléchir à ton idée. 

Tu comprends pourquoi certaines personnes ne commencent jamais leurs dessins? 

En te mettant un timer tu t’obliges à être plus rapide en abaissant la limite de temps disponible. 

Ce qui rend l’exécution de ta tâche plus rapide ;).

Mon conseil:  si tu veux encore plus réduire ton temps de réflexion, baisse petit à petit ton temps sur le chronomètre. 

Passes à 9 minutes 50, puis 9 minutes 30 puis 9 minutes etc…

2. Être plus focalisé sur la tâche

Ce qui se passe lorsque tu te coupes du monde pour réaliser une tâche et qu’en plus tu rajoutes de l’urgence avec un timer, c’est que tu te focalises sur la tâche devant toi. 

Tu donnes 100% de tes capacités, sur un très court laps de temps. 

Ici, 2 x 20 minutes. 

Le fait de te donner entièrement, c’est ce qui va te permettre d’avoir des résultats que tu n’aurais même pas pensé avoir. 

Autrement dit, imaginer des situations (et compositions) que tu n’aurai pas pu dans une situation normale. 

Bien qu’imaginer des compositions et être créatif est une tâche intellectuelle, c’est un exercice qui est censé être dynamique et rapide.

Sinon tu ne passes jamais à la mise en pratique de tes idées et finir par te démotiver…

… Avant même d’être passé au dessin…

Reprenons donc notre méthode.

Voici les 8 ‘Et si…?’ que j’ai trouvé pendant le temps imparti des 10 minutes.

⇒ Et si l’enfant qui poursuit un papillon gracieux, était sur le point de l’attraper?

⇒ Et si l’enfant qui venait d’attraper un papillon le regardait par le trou de sa main? 

⇒ Et si l’enfant laissait s’échapper, par mégarde, un papillon fraîchement attrapé? 

⇒ Et si l’enfant était un enfant méchant et cruel et qu’il déchirait les ailes du papillon comme du papier? 

⇒ Et si l’enfant avait attrapé le papillon pour l’ajouter à sa collection d’insectes sous cadre? 

⇒ Et si le papillon devenait le meilleur ami de l’enfant et qu’il était tout le temps sur son épaule? 

⇒ Et si le papillon était un papillon énorme et qu’il soulevait l’enfant pour l’emmener voler? 

⇒ Et si , au premier plan, le papillon s’envolait librement pendant que l’enfant lui faisait signe au loin?

L’histoire qui se déroule devant tes yeux

Ce qui se passe ici, c’est que chacune des phrases nous laisse imaginer une mini histoire, très visuelle à chaque fois. 

Par exemple:  avec le papillon énorme, on peut imaginer le gamin pris par les côtes et être soulevé dans les airs, bras balant et complètement surpris. 

Et c’est ça la puissance de ces deux exercices combinés ensemble. 

C’est donc la fin de cet article, tu as maintenant entre les mains deux méthodes pour stimuler ta créativité et ton imagination

Mets les vraiment en place, au départ ça va être dur et te demander des efforts. 

Mais à long terme, tu te remercieras de l’avoir fait, parce ça va vraiment doper le niveau de tes compos. 

Tu peux retrouver les autres articles de ce blog en cliquant ici.

Allez, prends soin de toi.

Miennu. 

Pour aller plus loin :

J’ai créer une formation sur le thème des fleurs Japonaises.

Le but est simple : t’apprendre en profondeur chaque fleurs pour que tu arrives à les dessiner sans modèle.

Au programme : La Pivoine, le Chrysanthème, le Lotus, l’Œillet et la Fleur de Cerisier.

Je reçois ma formation gratuite!

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